Être spectateur de danse a été particulièrement difficile en 2012. Je ne reviens pas sur la disparition de l’art chorégraphique dans les théâtres de mon territoire (Aix – Marseille- Martigues), ni sur les deux festivals qui atomisent la danse, faute de projet de développement. Seule la création de Klap à Marseille sous l’impulsion de son directeur, Michel Kelemenis, a donné l’outil de travail dont les artistes avaient besoin. Peu à peu, Klap s’impose comme un lieu incontournable. Nul doute que les chorégraphes reviendront à Marseille. Mais il faudra du temps et un changement radical à la tête des établissements culturels  pour que la danse retrouve un public.

Chaque année, le Festival d’Avignon réussissait à combler le marasme marseillais. En 2012, il l’a accentué. Le bilan chorégraphique du festival a été mauvais (à l’exception notable de «Tragédie» d’Olivier Dubois): une danse cérébrale, célébrant les bons sentiments, s’enfermant dans une esthétique  influencée par les arts «plastiques» où le corps n’est que matière…Pour la première fois cette année, la danse ne m’a pas permis de penser la complexité.

La Biennale de la Danse de Lyon, originale à plus d’un titre sous la direction de Guy Darmet, ne m'a pas convaincu avec sa nouvelle directrice, Dominique Hervieu. Elle fut globalement sans surprise avec l’étrange sensation que la danse n’est qu’un produit de communication courante…Quant à Montpellier Danse, une santé défaillante ne m’a pas permis de suivre les spectacles que j’avais programmés. Me reste le merveilleux culot artistique de Radhouane El Medeb et de Thomas Lebrun ainsi que le parti pris plastique assumé de Mathilde Monnier.

C’est ainsi que j’ai parcouru les théâtres, parfois découragé, à la recherche de cet art qui nourrit le projet de ce blog depuis 2005.

2012 a été l’année d’Olivier Dubois. Il m’a tenu éveillé. Il a nourri ma relation à la danse. Il l’a fait par une approche de l’humain englobé dans une humanité célébrée et éprouvée par les danseurs et le spectateur. Pour lui, interprètes et publics forment un tout: scène et salle se répondent en continu. «Révolution», «Rouge» et «Tragédie», trois chorégraphies liées par une quête absolue de l’émancipation. Le corps est une conquête; la danse d’Olivier Dubois est sa révolution.

Avec «Mahalli», la chorégraphe libanaise Danya Hammoud m’est apparue comme une «sœur» d’Olivier Dubois. Ces deux-là ont d'étranges "matières": une chair politique pour une révolution sociale. Danya et Olivier sont probablement habités par une vision commune: le travail sur soi est politique.

Autre introspection réussie, celle d’Israel Galván qui a affronté le flamenco traditionnel. Avec «La curva», à partir de ses racines et de ses rites, il l’a fait trembler sur ses bases jusqu’à ouvrir ses entrailles et accueillir la modernité. Ce fut exceptionnel d’assister à la décomposition d’une partition qui se consume pour inventer l’Autre musique, celle d’un flamenco théâtral.

Autres métamorphoses sidérantes. Au Festival d’Avignon, sous le plateau de la Cour d’Honneur, le performeur sud-africain Steven Cohen a fait du corps intime un territoire de la Shoah. Exceptionnel. Quant à Mitia Fedotenko dans le «Sujet à vif», il a réussi son pari artistique avec François Tanguy: celui d’oser chorégraphier un Hamlet déchiré entre le Danemark et la Russie de Poutine.

En 2012, il y a bien sûr eu le rendez-vous incontournable avec Maguy Marin et Denis Mariotte. «Nocturnes» fut dans la continuité des œuvres précédentes. Là où j’attendais une rupture esthétique, Maguy Marin ne m’a probablement pas surpris. Seulement accueilli par un propos assumé sur la fragmentation  barbare du sens, sur l’éclatement d’une humanité piétinée.

Après «Un peu de tendresse, bordel de merde !» présenté à Avignon en 2009, nous étions nombreux à scruter sa nouvelle création à la Biennale de Lyon. «Foudres» de Dave St Pierre m’a une fois de plus enchanté sans que je sois surpris. Devenus de grands malades de l’amour consumériste, il nous faut réapprendre à danser, à nous habiller de nos costumes de bal pour nous entrainer à nous lâcher au bon moment, à nous reprendre quand le rythme l’impose. Beau propos, certes convenu, mais si vivifiant !

Avec «Brilliant corners», Emanuel Gat m’a littéralement subjugué par sa visée du groupe. Rarement, je n’ai ressenti, avec une telle précision, la complexité des mouvements vers le collectif où, à l’image des communautés sur internet, le groupe se déplace pour amplifier la relation horizontale et s'approprier de nouveaux territoires. Le collectif relie les fragments et avance jusqu’à produire la lumière du spectacle. Magnifique !

Combien de chorégraphes considèrent la musique comme fond sonore pour chasser un silence pourtant vecteur de sens ?  Avec Maud le Pladec et l’ensemble musical Ictus, je me souviens avoir vécu cinquante minutes euphorisantes, énergisantes, palpitantes où mon corps a eu quelques difficultés à contrôler mes pulsationsrock’embolesques. «Professor/Live» a  vu trois danseurs virtuoses restituer avec humour et présence, le rock électronique et symphonique du compositeur Fausto Romitelli. Inoubliable.

Il me plaît de terminer ce bilan 2012, par une rencontre. Celle avec  Alexandre de la Caffinière qui lors de «Questions de danse» nous a présenté un extrait de «Sens fiction» (œuvre à voir les 16 et 17 février au Théâtre des Pratiques Amateurs de Paris). Avec deux danseurs (troublants Anaïs Lheureux et Julien Gaillac), il a composé une œuvre délicate au croisement de la musique électronique et d’une scénographie numérique. Tandis que le paysage chorégraphique est saturé de musiques chaotiques et de vidéos conceptuelles, Alexandre de la Caffinière a fait un tout autre pari: celui d’un environnement numérique au service de la danse, pour des corps en mutation, vers la métamorphose d'une relation duelle. Chapeau, à suivre…

Je vous propose de continuer la route en 2013, année où Marseille sera capitale européenne de la culture. La danse y occupera une place scandaleusement faible. Il va falloir chercher, voyager, se déplacer. Putain de danse !

Pascal Bély – Le Tadorne.

1- Olivier Dubois; "Rouge" - Festival Uzès Danse. /  "Révolution"- Le 104, Paris. / "Tragédie" - Festival d'Avignon.

2- Radhouane El Medeb, Thomas Lebrun; "Sous leurs pieds, le paradis" - Festival Montpellier Danse.

3- Israel Galvan; "La curva"- Théâtre de Nîmes.

4- Emanuel Gat; "«Brilliant Corners» - Pavillon Noir d’Aix en Provence.

5- Mathilde Monnier; "Twin paradox" - Festival Montpellier Danse.

6- Maguy Marin - "Nocturne" - Biennale de la Danse de Lyon.

7- Maud le Pladec - "Proffesor / Live" - Festival « Les musiques », Marseille.

8- Danya Hammoud - « Mahalli » - Festival Montpellier Danse.

9- Mitia Fedotenko - « Sonata Hamlet » - «Sujet à vif », Festival d’Avignon.

10- Dave St Pierre - Création Biennale de la Danse de Lyon.

11- Alexandre de la Cafinière - « Sens fiction » - « Question de Danse » à Klap, Maison pour la Danse, Marseille.

Les spectateurs sont quasiment tous debout. Je suis assis. Encerclé. Seul. Je veux quitter ce théâtre. Impossible. Il faut attendre que cela finisse. Le public délire. J’aurais pu être avec lui. Mais ce que je viens de voir est au-delà de moi. Ce n’est pas scandaleux sauf que je n’en suis plus là dans mon rapport à la danse. 

Pina Bausch a disparu le 30 juin 2009. Ce fut un jour funeste. Depuis, j’ai croisé la compagnie à Monaco avec «Café Müller» et «Le sacre du printemps». Elle n’est plus là, mais sa troupe poursuit la route. Avec des hauts et des bas. Ce soir, à Nîmes, «Ten Chi», inspiré d’un voyage au Japon et écrit en 2004, est une œuvre mineure. Je m’interroge: pourquoi nous proposer une création dont on sait probablement qu’elle n’est pas la meilleure? Sauf qu’auréolé du mythe de la chorégraphe, «Ten Chi» fait un triomphe.

Mon cheminement de spectateur est jalonné de rencontres. «Question de Danse», festival proposé par le chorégraphe Michel Kelemenis à Marseille, est un rendez-vous annuel où des artistes présentent une étape de création et acceptent de la mettre en dialogue avec le public. C’est probablement l’une des rares manifestations à poser la rencontre comme un enjeu dans une programmation.

Alexandre de la Caffinière présente «Sens fiction». Avec deux danseurs (troublants Anaïs Lheureux et Julien Gaillac), il a composé une œuvre délicate au croisement de la musique électronique et d’une scénographie numérique. Ce soir, toute son équipe est là pour signifier une création en co-construction. Cela se voit et s’entend dans un propos qui m’embarque dans une aventure audacieuse et fragile, comme toute prise de risque. Tandis que le paysage chorégraphique est saturé de musiques chaotiques et de vidéos conceptuelles, Alexandre de la Caffinière fait un tout autre pari: celui d’un environnement numérique au service de la danse, pour des corps en mutation, vers la métamorphose d'une relation duelle. Dès le premier tableau, des pixels multicolores se projettent sur des corps en position fœtale: l’imaginaire numérique les sculpte et évite de les transformer en concept futile et terrifiant! Cet instant offert est beau, sensible, mais trop vite disparu. Chacun se relève et ouvre la perspective pour entrer dans une profondeur de mouvements. C’est ainsi que se déploie sous nos yeux un paysage sensoriel en plusieurs dimensions pour qu’une relation sensuelle englobe le spectateur, auteur de son désir! Chaque danseur creuse le sol à la recherche des racines pour s’élever et s’inscrire dans des liens rhizomiques. Tout un environnement minéral accompagne cette transformation d’autant plus que chaque tableau est ponctué d’un étrange jeu de lumières qui amplifie l’apparition et la disparition. Ces mouvements parfois néo-classiques s’ouvrent pour relier les visions créatives de ce collectif d’artistes dans un tout, une terre du vivant qu’il me tarde de contempler, une fois l’œuvre achevée (en février 2013). La danse permet aux corps d’être de chair et de sens et célèbre le vivant, emporté par une musique et des images vidéos qui ne prennent jamais le pouvoir. "Sens fiction" est une chorégraphie de la puissance qui multiplie l’espace scénique pour y accueillir l’imaginaire du spectateur! 

Pour février 2013, je perçois déjà une fresque, où des faunes se perdraient lors d’une après-midi nocturne pour s’éveiller dans une nuit éclairée par nos imaginaires pixélisés…

Pascal Bély – Le Tadorne.

« Sens fiction » d’Alexandre de la Caffinière ; étape de création présentée à « Question de Danse » à Klap, Maison pour la Danse, Marseille, le 26 octobre 2012. A voir les 16 et 17 février 2013 à la Maison des Pratiques Amateurs à Paris.

Crédit photo : (c) C. Bailly / Cosmos

Il me plait d’aller sur des territoires inconnus, à la rencontre d’artistes qui ne bénéficient pas toujours d’un réseau de diffusion élargi. Il y a dix jours, j’ai assisté à cinq représentations  proposées par «le Off» de la Biennale de la Danse de Lyon. Elles furent d’une belle vitalité, d’un engagement communicatif qui démontre, une fois de plus, que la danse contemporaine française sait accueillir le spectateur même si elle peine parfois à  révolutionner ses propres codes de la représentation.

Avec «E Tango», la compagnie Moebius impressionne par sa qualité d’écriture dramaturgique enchevêtrée dans un propos chorégraphique plutôt vivifiant. Articulant jeu théâtral et mouvements dansés, ces quatre interprètes interrogent la communication postmoderne de l’internet à partir de la relation codifiée du tango. Le propos est intelligent, car ouvert: ici, point de culpabilisation inutile sur nos comportements d’internautes, mais une lucidité bienfaitrice! La danse résiste aux nouvelles technologies (quitte à s’amuser avec!), voire s’en inspire pour enrichir ses esthétiques. «E Tango» est beau à voir d’autant plus que la musique est une recherche, entre tradition et modernité. Le jeu d’ombres et de lumières est particulièrement réussi (moment délicieux qui voit un couple se dédoubler derrière un rideau ou comment un plus un est égal à quatre !). L’alternance d’un tango plus classique avec une danse décomplexée des convenances démontre comment la communication créative peut se déployer dans une société hyper connectée. Le numérique, s’il influence la danse, n’est après tout qu’un outil: il n’est pas «la» communication. Juste un espace où l’on s’amuse à créer. Certes, il y a quelques longueurs, mais l’ensemble se tient, car le quatuor ne lâche jamais son propos: le tango est une danse du lien, un territoire infini de possibles où le geste éphémère s’emmêle dans le désir.

«Thirst» de David Hernandez est un très beau duo dansé par deux excellents interprètes (Stanislas Dobak et Colas Lucot). Avec la création sonore de Philippe Cap (où les voix émergent des ténèbres du corps), ils s’explorent chacun à partir d’une danse qui capte l’énergie de l’introspection. Dans un premier temps à terre, ils occupent tout l’espace par la force de déplacements désirés quand d’autres semblent plus inconscients. Ils sont différents donc interdépendants ! Ils glissent sur l’eau, fluide de leur danse. Rien ne déborde, bien au contraire: ici l’art est maître des corps. Ils s’offrent quelques instants de pause où l’un jauge l’autre dans cette recherche au croisement du spirituel et d’une quête intérieure de bien-être. Puis ils repartent, corps debout, mouvements plus amples sur un sol nourricier. Les quelques longueurs parfois ressenties sont peut-être utiles pour lâcher son regard de spectateur et tomber avec eux dans leur territoire où la danse est le langage de la complexité. La compagnie «DH+» est à suivre. Le rendez-vous est pris.

«Après-minuit» de Luis Gomes est une étrange proposition. Invité à prendre place dans un grand studio, je m’assois près des techniciens. Cette proximité et le lieu sont propices à entrer dans la confidence, à s’immiscer dans la relation entre les deux interprètes (Luis Gomes et Anne Guéguiner). Je suis rapidement troublé par l’énergie du premier, par ses mouvements «cubistes», électrisés, qui célèbrent sa métamorphose jusqu’à la sculpture. Pourquoi l’image de Dominique Bagouet m’a-t-elle traversé ? À côté, Anne Guéguiner est plongée dans une recherche fondamentale où le trouble, le désir, le corps aimant seraient ses champs d’exploration.  C’est souvent profond, parfois éloigné de ma propre quête. La musique sophistiquée accompagne cette relation énigmatique (à ce stade, peut-il en être autrement ?!). Il faut attendre la dernière minute pour qu’un «déshabillez-moi» suggéré m’invite à faire tous les liens possibles et inimaginables…

La dernière proposition de Corinne Lanselle, «des poissons dans les arbres» serait presque une articulation entre les trois précédentes tant j’y trouve une théâtralisation, une recherche de la danse par la relation (du duo au trio puis au quatuor). Si le duo de départ me séduit par sa fraîcheur et par leur engagement à créer un univers de recherches et de tâtonnements, je suis beaucoup plus réservé quand arrive la troisième danseuse. Son jeu incarné dans un rôle trop voyant de perturbatrice du désordre établi me gêne, comme si ce souci de clarté cachait un désir de maîtrise des émotions du spectateur. L’arrivée de la chanteuse lors du dernier tableau confirme mon pressentiment : chanter n’est pas danser, mais contribue à calmer cette chorégraphie débordante d’énergie qui, avec le temps, trouvera son bon tempo. Parce ce que ces quatre artistes sont généreux.

Pascal Bély – Le Tadorne.

« E Tango » par la Compagnie Moebius - «Thirst» de David Hernandez - «Après-minuit» de Luis Gomes - «Des poissons dans les arbres» de Corinne Lanselle – Au Croiseur à Lyon dans le cadre de la Biennale Off de la Danse.

Dans un festival, il y a un petit plaisir que je ne me refuse jamais: faire dialoguer les œuvres. En ce dimanche après-midi, la Biennale de la Danse de Lyon a l’excellente idée de programmer deux spectacles qui, en apparence, non aucun lien entre eux. En apparence…

Philippe Decouflé revient avec «Panorama», un best off de son parcours de plus de trente années de création. L’amphithéâtre de la Cité Internationale est une salle imposante avec ses 3000 places. Le rapport scène-salle est totalement détestable, mais amusant: le plateau parait si petit face à l’immensité de ce mur de spectateurs. Nous sommes accueillis par des majorettes siglées aux insignes de la compagnie: l’ambiance est bon enfant et le restera tout au long du spectacle. En trente ans, le style Decouflé s’est fondu dans le langage publicitaire et les différentes esthétiques de la société du spectacle. La transmission vers ces jeunes danseurs semble très opérationnelle: s'il y a vingt ans, Decouflé transgressait, sa danse parait aujourd’hui un brin décalé avec l’époque, sans énergie subversive. C’est d’autant plus vrai avec certaines scènes où le «noir» fait le show, où la femme potiche et hystérique fait marrer. En sommes-nous encore là? Ces ressorts humoristiques, tant répandus dans la sphère médiatique, me lassent très vite. Les quelques moments de virtuosité sont si empruntés que l’ennui ne tarde pas à s’inviter. Ce «best off» ne tisse aucun lien entre les différentes époques. Troublant. C’est un voyage dans le temps sans résonance particulière, à l’image d’un parc d’attractions posé là.

Deux heures plus tard, la chorégraphe sud-africaine Robyn Orlin débarque avec la compagnie Moving Into Danse Mophatong pour «Beauty remained for just a moment then returned gently to her starting position …». Le début du spectacle est dans la continuité de «Panorama»!  On danse pour créer de l’image, de l’effet. Mais «où est la beauté ?» s’exclame une des danseuses. Le microbe aguicheur de chez Decouflé revient sous la forme d’un serpent très laid. Nous sommes invités à le chasser de la scène pour que la beauté puisse occuper le plateau! Robyn Orlin pense à juste titre que nous avons une vision misérabiliste de l’Afrique qu’il convient de changer. Mais n’avons-nous pas aussi une approche esthétique de la beauté qu’il faut «humaniser» pour la replacer dans l’interaction? Elle s’y emploie avec l’humour qu’on lui connait, avec cette troupe de sept danseurs qui prennent plaisir à être là, à venir nous chatouiller sous les orteils, à nous déplumer pour remplumer leur danse, à convoquer Dieu pour le rendre témoin de notre triste destin à chercher ce qu’il nous avait pourtant donné contre quelques concessions! Il y a dans cette pièce une énergie incontestable, dans la lignée du travail de  Philippe Decouflé, le désir d’en découdre en plus (ah, la scène de l'orgasme collectif! Inoubliable!). Le plastique joue ici un rôle majeur: matière à rêves, il recycle notre société du déchet pour créer de nouveaux territoires, celui de nos imaginaires enfin reliés, protégés par une déesse de la beauté bienveillante. Je suis troublé de reconnaître à plusieurs reprises des éléments du spectacle de Philippe Lafeuille («Cendrillon, ballet recyclable»), présenté l’an dernier à la Maison de la Danse de Lyon et qui avait si joliment célébré la puissance d’imagination du spectateur. La beauté plastique se transmet donc entre chorégraphes pour faire voler nos dernières certitudes sur un lien présupposé entre le beau et le neuf (voir aussi le spectacle de Phia Menard, programmé cette année à la Biennale).

Mais Robyn Orlin peine à totalement m’embarquer. Elle met en scène la recherche de la beauté sans pour autant inclure les danseurs dans un processus qui ferait une œuvre. Le spectacle se fait avec nous, devant nous, sans que je n’aie eu la sensation d’assister à une proposition chorégraphique. Il faut attendre le générique de fin pour visionner une vidéo où l’une des interprètes danse la, sa beauté. À peine l’image se fige-t-elle qu’elle nous interpelle pour évoquer sa fierté de se voir aussi belle. Interloqué, je m’interroge: et si nous étions passés à côté de l’essentiel, à savoir que la beauté est dans l'art? A moins qu'elle ne soit dans le regard qu'on lui porte...

Pascal Bély – Le Tadorne

« Panorama » de Philippe Decouflé et «Beauty remained for just a moment then returned gently to her starting position …» de Robyn Orlin à la Biennale de la Danse de Lyon du 13 au 30 septembre 2012.