Si vous êtes sur Facebook, vous aurez peut-être constaté une invasion de sapins de Noël sur votre page, le tout accompagné de formules pour le moins dérangées: «Odéon : c’est bientôt Nawel» ou «le petit sapin de l’Odéon…avant le grand!» (voir la photo ci-dessous). Mieux encore, en plus chic, «comme un parfum de Noël au Théâtre de la Ville…il semblerait que le Père Noël ait pris un peu d’avance sur sa distribution» (notez le joli jeu de mots théâtral…). La région n’est pas en reste puisque le TNP de Villeurbanne nous gratifie de sept photos avec en légende, une formule sobre qui sent la guirlande : «le sapin de Noël est installé!»

On pourrait trouver ces messages sympathiques (ils le sont probablement), en phase avec le mois, mais aussi avec l’époque: l’important n’est pas le fond de ce qui est communiqué, mais l’acte de communiquer. Facebook est à ce titre, un outil idéal. Ainsi, les salariés des théâtres ressentent le besoin de se relier autrement avec le public tant leurs marges de manœuvre semblent étroites.

Les places (rares) sont achetées sur internet et les travailleurs culturels font l’objet d’agressions surtout quand la pénurie s’installe. Le «chacun-pour-soi» de la part de certains spectateurs est un rouleau compresseur au détriment de la qualité de la relation. Les médiations autour du spectacle vivant offrent bien peu d’opportunités de renouveler le genre même si fleurissent, ici ou là, des ateliers créatifs. Ce sapin est donc le symbole d’une certaine solitude de ce personnel souvent invisible, caché derrière les égos démesurés de leur direction.

Posté ainsi sur Facebook, le sapin fait misérabiliste: isolées, les équipes communiquent sur ce rituel comme si nous appartenions à la même famille. Cette «proximité» démontre à quel point les structures culturelles peinent à sortir d’un lien factice avec les spectateurs: leur page Facebook informe la plupart du temps sur l’envers du décor (ici le sapin, là les peintures que l’on refait, ailleurs le camion de la troupe stationné dans la rue) pour mieux masquer l’impossibilité de changer la relation. Le milieu du spectacle vivant est englué dans les codes de la communication consumériste qui entretiennent le lien consommateur-producteur. Si bien qu’aucune page Facebook ne fait mention des enjeux politiques de l’art; aucune n’est conjointement gérée par les spectateurs; aucune n’est un espace démocratique pour interroger les choix de programmation. Aucune n’est en phase avec l’esprit d’un réseau social: elles ne sont qu’un fichier amélioré pour diffuser de l’information.

Facebook n’est donc qu’une vitrine. Le sapin donne une piètre image de ce que sont les théâtres aujourd’hui: des lieux où à la solitude des uns fait écho à la perte du sens des autres tandis que quelques-uns osent poser la question, quitte à passer pour de méchants empêcheurs de guirlander en rond: pour quoi ce sapin?

Pascal Bély – Le Tadorne.

Le marketing culturel a gagné. Insidieusement, il subordonne le qualitatif à l’audimat, à une rengaine qui résume à elle seule la pensée politique: «qu’importe la manière, l’important est de toucher le plus grand nombre» ; «si la venue d’une star doit faire venir du public, alors qu’importe qu’elle ne soit pas la meilleure», avons-nous lu sur Facebook à propos d’Emmanuelle Beart qui sera au Palais des Papes en juillet 2013.  Ce marketing s’est inspiré des codes de la communication télévisuelle pour soumettre les professionnels du spectacle vivant à une forme de raisonnement binaire: pour toucher le grand public, il faut l’assujettir. Difficile, pour le spectateur, de percevoir les véritables enjeux qui se cachent derrière le slogan de «l’ouverture à la diversité du public» à travers l’accession aux médias dits populaires. Difficile, car de l’ordre du non-dit, du refoulé, masqué par l’étiquette du «théâtre pour tous». Cache-sexe, en réalité… d’enjeux bien plus prosaïques: ceux renvoyant sans doute aux conditions matérielles de travail des artistes et de productions de leurs spectacles.

Le meilleur exemple nous a été donné par le chorégraphe Olivier Dubois. Cet été, au Festival d’Avignon, il a accompli un miracle: «Tragédie» fut ovationné. Pensez donc: une œuvre de plus d’une heure quarante, avec 18 danseurs, nus, pour célébrer l’Humanité en résistance! Pièce dans laquelle Olivier Dubois lève le voile, exhibe toute son intelligence des corps et du mouvement! Et qui repose sur un parti pris esthétique radical: composer un poème chorégraphique savamment agencé, ordonnant les gestes des danseurs tels des rimes textuelles, sans pour autant perdre la force brute de corps comme jetés en pâture aux désirs du public. Une pièce, enfin, qui joue de la faille entre la condition physique d’être humain et l’appel à un au-delà: la recherche d’une Humanité. Une transe, une jouissance des sens et de l’esprit. Las, post coïtum…

...quelques mois après, Olivier Dubois part en promotion. En France, cette pièce est programmée à Pontoise, Martigues, Mâcon, Villeneuve-d'Ascq. Puis deux dates à Paris, au 104. C’est peu et c’est tout. Alors donc, Olivier Dubois entame une tournée promotionnelle à la télévision. D’abord sur France 2, dans «Des mots de minuit». Inutile de revenir sur les questions sans grand intérêt du journaliste Philippe Lefait qui semble préoccupé par la «sueur» et le cout de la production du spectacle (s’inquiète-t-il de la même manière pour le cinéma et le théâtre?). Décidément, la danse est  toujours illégitime. A la rigueur, on la sollicite comme caution intellectuelle ou comme aphrodisiaque lorsqu’il s’agit d’encanailler les esprits noyés dans l’ennui le plus profond. Sur le plateau, Michel Blazy, artiste plasticien, n’a «rien» à dire à Olivier Dubois après avoir visionné les images du spectacle. L’équation selon laquelle la danse, la révolution, le sexe et un présentateur barbu qui mâchouille ses lunettes semble être amplement suffisante pour mener à bien l’opération marketing. Peu importe la vacuité et l’ennui, pourvu qu’on additionne. D’ailleurs, Olivier Dubois ne se prive pas de renvoyer à Philippe Lefait qu’être danseur, c’est être «une pute de l’art avec savoir, élégance et conscience». Bien vu.

Rien de plus normal à ce qu’il continue à faire la pute (qu’il nous excuse cette familiarité) dans l’antre du proxénétisme le plus légal. Quelques jours après, ce sera au tour de Canal Plus dans l’émission du Grand Journal. Non qu’il soit invité en plateau… «Tragédie» est massacré dans un format minimaliste («la Short list») où plus c’est court, plus c’est con. À 1’15, vous pouvez entendre Olivier Dubois faire la réclame (ses phrases n’excédent pas 3 secondes !) avec une expression culte que ne manqueront pas de s’emparer les communicants des théâtres en recherche de slogan pour attirer le chaland : «Tragédie n’est pas tragique» (sic) tandis que le commentateur en rajoute dans l’excès : «Olivier Dubois provoque le spectateur» (qu’en sait-il, lui qui n’a probablement pas vu «Tragédie»). À 1’53, c’est terminé. À peine 38 secondes pour massacrer un propos et insulter les spectateurs d'Avignon et d'ailleurs. Un doute surgit alors: et si «Tragédie» n’était qu’un savant calcul pour relier le spectaculaire au marketing et servir son promoteur, lui qui sait si bien provoquer le peuple tout en l’attirant à son beau panache.

«Qu’importe le flacon, pourvu qu’on ait l’ivresse?». Ce romantisme noir confine au cynisme, surtout quand on dépasse le champ de la scène. Si être un artiste c’est être une catin, la transe suscitée par la beauté des corps en convulsion, sur scène, ne peut être mise sur le même plan qu’une démarche strictement commerciale. D’ailleurs, une geisha ne se départit jamais de son raffinement et ne s’adonne pas systématiquement à la prostitution. Si l’ivresse ou la jouissance sont recherchées par un créateur, si la question de la diffusion d’une œuvre mérite d’être posée, surtout dans un contexte défavorable, comme c’est apparemment le cas pour "Tragédie" ; n’oublions pas pour autant ces bons mots de Musset, encore lui :

 «Puisque c'est ton métier, misérable poète,

Même en ces temps d'orage, où la bouche est muette,
Tandis que le bras parle, et que la fiction
Disparaît comme un songe au bruit de l'action ;
Puisque c'est ton métier de faire de ton âme
Une prostituée,  et que, joie ou douleur,
Tout demande sans cesse à sortir de ton cœur ;
Que du moins l'histrion, couvert d'un masque infâme,
N'aille pas, dégradant ta pensée avec lui,
Sur d'ignobles tréteaux, la mettre au pilori.»

C’est ainsi que la télévision rassemble autour d’elle ceux qui sont prêts à réduire leur art à des slogans et les paresseux de tout poil pour qui faire entrer les spectateurs dans un théâtre nécessite d’utiliser les codes du marketing le plus abject. Dit autrement, la forme ne serait plus connectée au fond. Cette union sacrée nous inquiète, car ce processus s’amplifie (il suffit d’entendre chaque année les directeurs du Festival d’Avignon -et bien d'autres- ne faire qu’un bilan quantitatif de leur programmation). 

L’art risque donc de n’être qu’une marchandise. Précisément l’inverse de la démarche artistique proposée dans "Tragédie".

Désolé, mais nous n'accepterons jamais d’être client pour une passe, fut-elle un chef d'oeuvre d’une heure et quarante minutes.

Pascal Bély et Sylvain Saint-Pierre – Tadornes

La critique de "Tragédie" sur le Tadorne: Au Festival d'Avignon. Secoué.

Le festival est dans sa dernière semaine. La programmation de cette année m'a permis d'y découvrir multiples propositions dans le Off et le IN, où les femmes comédiennes et metteuses en scène se distinguent. Des représentations de caractères où elles sortent des schémas  habituels.

On plonge dans une grande mer(e), comme celle où Sophie Calle nous a emmenés tout au long de ce festival lors de son exposition à l’Église des Célestins («Rachel, Monique»). Avec elle, nous évoluons dans un espace du beau, au "chœur" d'un monument spirituel, comme pour élever notre regard et notre pensée sur ce qui nous entoure ("Au Festival d’Avignon, Sophie Calle: la traversée d’un continent intérieur")

À la Manufacture, Pauline Sales dans "En travaux", met en scène Hélène Viviès, comédienne engagée jusqu'au bout des ongles. Elle incarne ce rôle avec passion et son plaisir est palpable sur le plateau. Notre cœur bat sous son bleu de travail, et va jusqu'à bleuir nos âmes ("Avignon Off 2012: Les beaux travaux de Pauline Sales et Thierry Baë") .

Dans "Occident", notre monde capitaliste s'oppose aux minorités...La femme  y est sujet, objet, sur lequel l'homme peut se défouler en l'insultant, la méprisant, la frappant encore trop souvent...Stéphanie Marc, inonde la scène de sa présence sensuelle et prend le pouvoir en retournant son mari, fort grossier personnage, en bête implorante. Sur ce plateau exigu, comme un ruisseau de montagne, elle véhicule un courant de paroles calmes et pertinentes, au milieu des failles. De sa fraîcheur, elle glace et noie cet homme pour le réduire en poussières.

Les tourbillons nous propulsent à l'intérieur des terres, dans un milieu artistique "bohème", autour de «Piscine (pas d'eau)». Cécile Auxire-Marmouget, metteuse en scène et comédienne nous invite dans ce groupe de privilégiés à découvrir tous leurs petits jeux amicaux pervers et intéressés. Le vide de la piscine devient réceptacle de fiel, de rancœurs, de jugements...L'envie dévore. Cécile se transforme en comédienne italienne du cinéma néo-réaliste des années soixante. C'est une sorte de "monstre"...Les dents de loups rayent le carrelage. Ses amis bienveillants me font penser à des traders qui calculent en permanence, sans scrupule dans un contexte de crise.

Dans "Bonheur titre provisoire", œuvre théâtrale et picturale d’Alain Timar, Pauline Méreuze nous questionne de ses grands yeux rieurs. Dans sa recherche de l’équilibre, elle exulte entre joie et désespoir. Son énergie l'emporte vers le bas et son nez coule sans fin. Avec l'aide de Paul Camus, elle raccroche petit à petit les pièces du puzzle et, plus sereine, ouvre une boite à outils: l'Utopie.

Près du bar du in, où tous les noctambules se retrouvent, toutes castes confondues, le fantôme de Françoise Sagan plane sur "Toxique". Un binôme de femmes représente ce corps d'artiste qui a brûlé sa vie dans un plaisir certain. Anne-Sophie Pauchet met en scène Valerie Diome qui compose une Françoise qui, dans sa chambre d'hôpital, nous ouvre sa fenêtre de réflexions de patiente immobilisée. La souffrance physique s'efface à travers les sédatifs, pour laisser libre cours à la douceur de l'accompagnement vocal et musical de Juliette Richard. N’est-ce pas la mère avec sa fille, tellement leur douce complicité est belle à voir ?

La Belgique m'appelle vers le Théâtre des Doms pour "La nostalgie de l'avenir". Avec cette version de «La mouette» de Tchekhov par la metteuse en scène Myriam Saduis, un corps de femmes plane. Leurs silhouettes se dessinent, s'éclairent derrière des panneaux de papier calque. Elles sont une métaphore de sentiments, qui passe de l'ombre à l'explosion, sur un champ de fleurs. Les relations d'amour envahissent la scène, face à sa mère, sa sœur, son compagnon, son art, son égo...Toutes générations, elles apparaissent et disparaissent dans des jeux de plaids qui virevoltent comme les tourbillons de la vie.

C’est ainsi qu’au Festival Off, femmes et hommes sont égaux (enfin quasiment!): c'est tellement bon de les saisir, de les respirer...On en sort imprégné de leur parfum.

Cette liste de femmes n'est qu’une petite introduction, et je remercie tous ces artistes, tous genres confondus.

Je pars mouette, mer, utopie, libre...Heureuse.

Sylvie Lefrere – Le Tadorne

« Rachel, Monique » de Sophie Calle – Église des Célestins.

« La nostalgie de l’avenir, compagnie Défilé. Théâtre des  Doms à 11h.

« Bonheur titre provisoire », Alain Timar, Théâtre des Halles à 16h30

« Piscine (pas d’eau) », compagnie Gazoline, L’entrepôt, 17h30

« En travaux », Pauline Salles, Manufacture, 18h.

« Toxique », compagnie Akté, Théâtre du Centre, 20h30.

« Occident », compagnie In Situ, Théâtre des Halles, 14h.

À quelques jours du Festival d’Avignon, le courrier s’amoncelle dans ma boîte aux lettres. Des plaquettes, des livrets, des dossiers de presse auquel s’ajoutent les programmes des saisons théâtrales.

Une enveloppe très légère m’intrigue. Elle provient du Théâtre du Merlan à Marseille. Depuis quelques années, je m’inquiète du projet de sa directrice, de ses dérives financières, délocalisant trop souvent sa programmation des quartiers nord vers le tranquille centre-ville. Ce courrier est une feuille A4 mal imprimée, pliée en trois parties, qui présente trois  spectacles pour seule proposition pour l'automne 2012 (danse, cirque, « balades » pour les journées du patrimoine).

Un texte non signé m’informe que rien ne sera dévoilé du reste de la saison 2013 (concept que le Merlan veut faire disparaitre de son vocabulaire). Plus de rencontres pour présenter la saison, mais ce feuillet comme tout lien avec une invitation «à joindre directement le service des relations avec le public».Un texte précise d’ailleurs ses missions comme s’il fallait combler en urgence le vide de contenu artistique.

Ce flyer est très inquiétant, car il corrobore les rumeurs entendues ici ou là sur la situation financière de la Scène Nationale qui n’aurait plus les moyens de proposer une saison. Le spectateur ne sait rien du contexte. La presse locale ne fait toujours pas son travail d’investigation.

En tant que public qualifié de «partenaires» et de «complices», nous serons peut-être sollicités pour faire nous-mêmes le spectacle. Ce sera la nouvelle trouvaille marketing d’une direction à la dérive.

Pascal Bély – Le Tadorne.

Le Merlan sur le Tadorne:

Le Théâtre du Merlan vagabonde et se perd.

A Marseille, le Théâtre du Merlan perd de l’argent par magie et se délocalise.

À chaque édition, la Scène Nationale de Cavaillon accueille un des spectacles du festival des Hivernales d’Avignon. Mais cette année, d’après la page Facebook de la Scène Nationale, la donne change: «Demain, notre traditionnel RDV avec les Hivernales -> une soirée autour du chorégraphe Saburo Teshigawara. Pas de spectacle, mais 2 films documentaires et un débat sur les politiques culturelles en ces temps d'élections». 
Je m’étonne et répond : «Drôle de rendez-vous quand même! Vous n'avez pas trouvé d'autres chorégraphes pour jouer ce soir-là et pallier l'absence de Saburo Teshigawara (qui, nous dit-on, n'est pas là pour raison budgétaire)?»
La réponse ne se fait pas attendre : «Oui, Saburo Teshigawara n'est pas là pour raison budgétaire. Le spectacle a été annulé très tardivement, car nous avons essayé jusqu'au dernier moment de trouver une solution. Et plutôt que de proposer un "spectacle de remplacement" en urgence, nous avons choisi de présenter quand même le travail de Saburo, qui est aussi vidéaste, sous une autre forme. Et de partager avec nos publics respectifs, au travers de ce cas exemplaire, les difficultés qui sont les nôtres aujourd'hui et d'échanger autour des enjeux culturels pour le moment laissés de côté par la campagne présidentielle.»
Ma réponse: «J'ai l'impression que l'on mélange tout...Je sens le piège:-)(en effet, je m’amuse à faire référence à l’engagement public de Jean-Michel Gremillet, directeur de la Scène, auprès de Jean-Luc Mélenchon)".

Je décide de ne pas assister à cette soirée. Laurent Bourbousson s’y rend et témoigne :
«Après le très beau film de Saburo Teshigawara «A boy inside a boy», à l’image bien léchée avec un parti pris esthétique dans lequel je n’ai pas tout saisi, le reportage d’Élisabeth Coronel sur le travail de ce chorégraphe japonais, m’éclaire un peu plus sur ses recherches.
Puis, la lumière se fait.  Peu de retour sur ce que l’on vient de voir. Pas de questions de la part de la salle. Après tout, le reportage fait acte pour l’artiste. Une certaine torpeur a envahi le public d’autant plus que certaines respirations entendues durant la projection attestent que plus d’un a sombré…
Les deux programmateurs entament le «débat» sur la politique culturelle autour d’un axe bien connu (l’absence de moyens pour accueillir des artistes de renommées internationales). Que peuvent bien susciter de telles révélations qui prennent les allures d’un mur des lamentations ?
Quel est donc le but de cette soirée ? Est-ce de nous faire partager le travail du chorégraphe ? Si tel est le cas, pourquoi n’y a-t-il pas d'échanges entre spectateurs sur les deux films ? Est-ce réellement le moment et le lieu pour débattre d’une politique culturelle sachant la faible mobilisation des professionnels eux-mêmes le 24 février dernier, devant les Direction Régionales des Affaires Culturelles pour protester contre les coupes budgétaires?"

Ce témoignage corrobore mes craintes du début. Il confirme ce que je pressens depuis si longtemps. Le spectateur n’existe que dans la relation asymétrique avec l’artiste. Vouloir la détourner sur un autre sujet est une prise de pouvoir sur le «sensible» difficilement justifiable. Que deux programmateurs n’aient pas trouvé les moyens de faire venir cet artiste est de leur responsabilité (je n’imagine pas un enseignant stopper son cours et changer la relation pédagogique pour se plaindre des ressources alloués par sa hiérarchie pour enseigner…). Ne fallait-il pas alors entreprendre une autre programmation moins coûteuse? Mais je m’égare…
Croire qu’une plainte publique puisse avoir un quelconque effet sur le cours des choses est d’une naïveté désarmante. Leur exposé plaintif n’est que l'une des résultantes du processus de nomination peu démocratique et transparent de ces programmateurs qui ne permet pas d’y associer le citoyen (qui se trouve être parfois spectateur). Si la culture n’a plus les moyens de ses ambitions, c’est qu’elle est justement aux mains de quelques-uns chargés du bien de tous. Or, une vraie politique culturelle serait précisément de définir un contrat «social» entre artistes, publics et professionnels. Quel candidat à la présidentielle le propose aujourd’hui, en dehors des discours plaintifs et souvent corporatistes?
C’est à nous spectateurs et artistes de refuser tout cadre qui, sous prétexte de débattre, ne fait que renforcer des effets d’estrade vains, manipulateurs, et qui nous isolent un peu plus dans nos cases.
Pascal Bély – Le Tadorne.