Le Corum de Montpellier est un bâtiment imposant. La dernière création d’Anne Teresea de Keersmaeker
« D’un soir un jour » s’est moulée dans l’architecture de ce lieu dédié à la danse et aux orchestres symphoniques. Le résultat au bout d’une heure quarante est pour le moins
décevant.
« D’un soir un jour » n’a pas la hauteur, la légèreté de ses deux précédentes oeuvres « Raga for the Rainy Season (musique d’un raga indien) et
« A love supreme » en hommage au jazz. Les musiques de Debussy, de Sravinsky et de George Benjamin interprétées en direct par l'Orchestre National de Montpellier donnent à
cette journée des couleurs pâles, une ambiance de fin d’automne. Je m’ennuie à la limite de l’endormissement lors de la première partie. L’entracte me permet de reprendre de l’énergie et de me
rassurer avec quelques spectateurs (« Suis-je fatigué, ou bien est-ce cette création? »).
La deuxième partie est plus enlevée, mais la fin traîne en longueur. Je suis surpris de ne presque jamais entrer dans cet univers comme si la danse, en collant de si près à la musique, perd de sa
créativité, de sa puissance. J'ai parfois même l'impression que les danseurs attendent l'Orchestre! Il y a des passages d’un académisme troublant (comme si nous revenions à la danse de
ballet !) ; d’autres sont plus contemporains, mais le collectif ne porte pas, ne fait que passer. Il y a une désarticulation entre le groupe, les solos et les duos qui m’empêche d’être
porté par une dynamique d’ensemble. Il y a bien sûr, quelques moments de toute beauté (une danseuse, une table…une morgue à la fin. Sublime), et quelques clins d’œil amusants (une vidéo où des
joueurs miment une partie de tennis, perdent la balle que nous retrouvons sur scène. Jubilatoire). Mais «D’un soir un jour » est triste, conventionnelle. Le baiser entre deux hommes qu'une femme tente d'empêcher frôle le ridicule. La seule scène de liesse tombe à plat, comme un bon jeu de mots qui glacerait une table d’amis ! Le décor proche d’une friche
industrielle n’aide pas : la lumière vert pâle, les néons qui montent et descendent jusqu’à réduire cette scène immense à la portion congrue, limite la vision, empêche la danse et ne permet
pas d’échappatoires.
Je quitte le Corum désabusé. Les klaxons
de la rue m’agressent (la France vient de battre le Brésil). Je rêve d’une autre soirée, d’un autre jour. Avec pourquoi pas Anne Teresa de Keersmaeker accompagné d’un groupe de pop - rock ».
Je ne suis même plus sûr d’en avoir envie…
A lire la critique sur «Raga for the Rainy Season » et « Love
supreme » présentés au Festival de Marseille en juillet 2005.
Crédit photo : Hermann Sorgeloos
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Wolfgang Amadeus Mozart et
Emanuel Gat ont donné rendez-vous au public du Festival de Marseille pour « K 626 ». Celui-ci, comme tout spectacle, s’inscrit dans un contexte : le match de football France –
Espagne en huitième de finale, un public composé au quart de salariés invités par leur entreprise à se cultiver un peu entre deux brainstormings sur l’évolution du marché des chemises bioniques.
Si le premier perturbe un magnifique solo par ses hurlements déchaînés, le deuxième n’hésite pas à regarder le match sur son portable et à applaudir mollement pour ne pas déplaire au chef.
Pourtant, « K 626 » fera date dans l’histoire de la danse tant cette chorégraphie ne ressemble
à aucune autre. Elles sont dix, venues d’Israël, habillées comme des petits soldats à qui l'on demande trop tôt de faire la guerre. Leurs petits pas, leurs bras, leurs doigts donnent à ce requiem
imposant, sa part d’intimité. Avec elles, l’infiniment petit devient grandiose. Loin d’être à l’unisson, elles peuvent jouer leurs différences, mais font référence au groupe, quoiqu’il en coûte.
Elles ne sont jamais seules. Il faut les voir faire ces haies d’honneur pour se relier entre elles, pour ne pas se perdre. Le groupe porte des valeurs que nous ne connaissons pas ici : elles
peuvent danser l’hésitation ; rien n’est certitude, tout est créativité même dans la précarité. Cette chorégraphie est alors un refuge où l’on se serre pour se protéger, à l’image de cette
mouette effrayée par les clameurs de la ville qui vient chercher la sécurité parmi nous… Leur corps évoque toutes ces valeurs : nous sommes à l’opposé de l’esthétique européenne où
l’apparence fait parfois illusion. Ici les corps parlent d’Israël : loin d’être seulement modelés par l’effort physique, ils portent en eux la peur et le désir infaillible de danser alors
que le terrorisme menace. J’ai la douce sensation qu’Emanuel Gat a chorégraphié leur histoire comme un peintre le ferait avec son modèle préféré. Rare.
J’ai fait un voyage. Dans le site merveilleux de
Châteauvallon, trois musiciens, un chanteur pakistanais, deux sculptures de silicone sont au sol. Ils sont deux chorégraphes pour danser « Zero Degrees » : l’un est
indien, Akram Khan, l’autre est l’enfant prodige belge des Ballets C. de la B., Sidi Larbi Cherkaoui. Avec eux commence le voyage du Bengladesh vers l’Inde. Tout à la fois semblables et
différents, ils dansent leurs mimétismes, leur conflit, leur réconciliation. C’est un voyage dansé comme un conte. Nous sommes alors des enfants capables d’observer leurs péripéties et la
complexité des relations entre deux hommes qu’a priori tout oppose. Ce conte débute par une histoire de passeport à l’aéroport, racontée simultanément à deux voix. La musique des mots m’emporte
et la danse de leur bras métamorphose nos deux voyageurs en oiseau de paix. Je m’envole avec eux parce que cela fait bien longtemps que je ne suis pas redevenu un enfant. Par enchantement, les corps se transforment en lampe d’Aladin,
jusqu’à me faire tourner la tête, étourdi par tant de beauté.
Sidi l’européen nous fait un numéro de magie à
même le sol : je ne le reconnais plus, tout à la fois oiseau, clown, chat. J’ai envie d’applaudir, d’en redemander. Mais j’ai peur : dans le train qui les emmène je ne sais où, un homme
va mourir et sa femme ne peut l’aider. Ils hésitent à faire quoique ce soit, de peur d’être accusé par la police de l’avoir tué. Pris dans le paradoxe, mes deux anges dévoilent leur part d’ombre.
Tout était trop beau, mais rien n’est perdu. Il est toujours possible de faire avec, même si c’est lourd à porter, à supporter. Le lien est là, il se construit avec ces parts d’ombre. Le voyage
ne se fait plus à deux, mais à quatre. Chacun tire son double comme l’on tirerait la couverture à soi. On compte l’un sur l’autre pour s’alléger, pour danser de
nouveau à deux, loin de ses lourdeurs culturelles et éducatives. Ils ne peuvent plus rien faire l’un sans l’autre. Le public d’enfants attend d’eux qu’ils continuent le
voyage: cette danse est tellement sublime même avec deux mannequins blancs qui portent le noir. Petit à petit, les corps se figent, l’un est au sol, l’autre debout. Il faut porter, tirer,
pour continuer le voyage. Il vaut mieux laisser les parts d’ombre ici pour poursuivre. Les enfants silencieux dans les gradins en feront quelque chose. Sidi et Akram disparaissent au fond ;
enfant, je les accompagne. Adulte, j’ovationne pour relier « Zero Degrees » à mon corps, à mon devenir.
Au théâtre du Hangar, il fait une chaleur étouffante (« notre mission n'est pas de payer la climatisation de ce théâtre » dixit la Surveillante Générale de Montpellier Danse…consternant). Ces mauvaises conditions ne facilitent pas la concentration du spectateur alors que Filiz Sizanli et Mustapha Kaplan venus d’Istanbul, nous présentent une œuvre exigeante (« Graf »). Ils sont deux, architecte et ingénieur de formation, à vouloir conceptualiser un « espace machine » qui « transforme l’énergie du corps en énergie électrique…le corps est ainsi travaillé soit comme une statue en mouvement, soit comme un objet plastique ». Vous l’aurez compris, ce duo nous propose une danse expérimentale où le corps sert de matériau vivant pour se métamorphoser dans un espace lui aussi en mouvement. Pour cela, le dispositif scénique fait avec trois fois rien est tout simplement majestueux : une ficelle avec des poulies permet de créer des espaces où les danseurs évoluent ; une caisse en plexiglas facilite le jeu avec la lumière et donne au corps des formes différentes ; des néons permettent aux danseurs de s’y balancer comme un trapéziste. Il y a dans ce travail un désir de créer du sens (quel corps pour quelle société ?), de rechercher l’énergie pour la traduire en chorégraphie. Je n’ai pas perçu de réponse toute faite, mais plutôt une mise en scène qui permet au spectateur d’élaborer sa vision. À la robotisation du corps dicté par les lois du commerce mondial, Filiz Sizanli et Mustapha Kaplan, répondent par la nécessité de se réapproprier des espaces, d’en créer d’autres afin que le corps devienne source d’énergie créative au moment où certains fondamentalistes religieux voudraient l’enfermer. Cet engagement, dans un contexte turc pour le moins défavorable à la danse, est tout à la fois une prouesse artistique et un acte politique. Chapeau bas.
Après la Turquie, rendez-vous est donné à 22h30 au Théâtre de Grammont par la chorégraphe israélienne Tal Beit-Halachmi pour son « Dahlia bleu ». Ils sont cinq sur scène dont une chanteuse pour évoquer Modelet, le pays natal de la chorégraphe. De cet infiniment petit sur la carte, Tal Beit-Halachmi nous propose pendant plus d’une heure vingt un voyage global ! Ces quatre danseurs, tous magnifiques, me font ressentir la complexité du lien entre territoire (au sens de terroir), l’histoire intime et le destin national d’un pays dans un monde globalisé. Tal Beit-Halachmi provoque d’incessants allers – retours entre l’intime et le global qui parfois nous perdent lors de quelques scènes très conceptuelles. Mais l’ensemble a de la hauteur, une tenue. Les corps expriment tout à la fois Moledet, territoire de montagne, l’histoire douloureuse d’Israël, et le contexte actuel. Je suis ému par ce quatuor qui métaphorise à ce point cette triple articulation. Comme beaucoup de français, je connais Israël à travers le prisme du conflit avec les Palestiniens. Je quitte le Théâtre avec un autre regard, plus humain, plus proche. Je pars avec l’émotion de Tal Beit-Halachmi pour qui jouer le « Dalhia Bleu » à Montpellier Danse semble être plus qu’un acte créatif, comme un devoir de mémoire pour repenser l’avenir. Chapeau bas.
Je vis l’enfer in situ : endormissement
progressif suivi d’une colère intérieure (« mais à quoi rime cette chorégraphie ? ») puis d’un stress de plus en plus fort (« je veux partir. Mais quand ?
Comment ? »). L’évolution de ces ressentis n’est pas sans me rappeler les quelques colères dont je suis capable d’avoir au cours d'un spectacle. Elles ont souvent les mêmes
origines : la forme prime sur le fond, le geste annule le sens, la case empêche le tout et je me sens exclu de la danse (ce qui n’est pas sa finalité me concernant !).
Au mieux, je n’ai rien compris. Au pire, cette danse est le joujou d’un nouveau riche venant de
découvrir que tout lui est acquis. Il ferait mieux d’arrêter de courir après le vide, de se poser avec ses danseurs pour remettre du sens, et rechercher la vérité ailleurs que dans une course de
fond. Après quoi, il pourra revenir à Montpellier Danse avec moins de prétentions et donner à ce public de connaisseurs ce qu’il est en droit d’attendre : ni l’enfer, ni le paradis, mais la
scène.
Pouvais-je m’attendre à cela ? Je pressentais que la chorégraphie d’Héléna Waldmann (« 
Cette œuvre est majestueuse à plus d’un titre. Alors que l’on ne voit jamais leur corps, celui-ci est omniprésent. On ne voit que lui, on ne pense qu’à lui. Les tentes font corps et c’est bouleversant. Elles se débattent, crient, abdiquent en s’effondrant. Les tentes se plient, se déplient comme la douleur, comme un secret trop lourd à porter. Les lettres projetées sur l’écran informent sur le contexte en Iran, mais nous interpellent aussi. À quoi joue l’Europe ? Pourquoi la bureaucratie fait-elle vivre aux femmes iraniennes en exil un enfer quotidien ? Je me cramponne à mon fauteuil quand la folie s’immisce dans ce collectif sur fond de rock. Je m’émeus de leur solidarité quand une crie : « j’ai besoin d’être soutenu ». Je repense aux féministes des années 70. Le combat pour la dignité des femmes est actuel, universel. 
J’ai peur pour elles alors qu’une tente s’effondre pour se transformer en linceul. Elles tourbillonnent comme un vent de folie, comme un enfermement en mouvement. Des photos de famille sont projetées à l’image du tchador qui se transmet de génération en génération. C’est alors que les quatre femmes de Michel Kélémenis dans les «
J’entre dans le studio. Il est
complet pour la dernière création de Boris Charmatz, « Quintette Cercle ». Sur le papier, je reconnais deux noms : 
