Animal presque, Homnimal, Homme dans tous ses états quoi qu’il en soit. Bien joli costume beige doublé rouge, chemise rouge en accord, le garçon s’est habillé pour la parade. Il va nous la jouer quarante cinq minutes durant et nous séduire avec force de talent et d’humour.

L’homme est un loup pour l’homme car il oubli le singe, c’est bien pourtant de l’arbre qu’il est descendu avant de courir l’asphalte. Avec une douce poésie Fabrice Ramalingom nous le prouve en image. L’homme peut alors être tendre et inviter à lâcher les armes quand il sait s’habiller de lui-même, le corps à nu et s’habiter assez fort de ses traces pour mieux se reconnaître et être reconnu.

Donc, n’ayons crainte d’être vu à un spectacle estampillé jeune public, il y a toujours un enfant qui sommeille en nous et qui lui n’a pas oublié le singe. Et puis m’est avis que certains passages risquent de donner de drôles d’idées aux petits…

Bernard Gaurier - www.festivalier.net

« Comment se Ment  » de Fabrice Ramalingom -Théâtre du CDC – Les Hivernales –Avignon -  13H00 du 11 au 23 juillet

Une vidéo en ligne ici.

Crédit photo: Eric Boudet

Au festival Off d’Avignon, le solo de danse se fait discret dans l’affichage orgiaque de la ville. Difficilement «vendable», c’est le bouche à oreille et la notoriété du lieu qui fait office de promotion. Thomas Lebrun jouit d’une excellente réputation. Remarqué dans le « in » avec «Parfois, le corps n’a pas de cœur», il présente au Off trois solis rassemblés dans le programme «Allone#3» qui permettent d’appréhender un propos chorégraphique complexe. En jouant sur les mots (Allone, alone, seul), le solo pour exprimer la solitude, le corps, la marchandisation de notre époque et approcher cette danse aux multiples facettes.

Pour débuter, un solo épuré. « Gwiazda » est époustouflant. Interprété par Anne-Emmanuelle Deroo, votre cœur ne cesse de battre à la mesure de ce corps pris de légers spasmes à l’origine du  mouvement. Métaphore de la chrysalide, vous ne la quittez pas, car la limpidité du propos accueille votre sensibilité. L'hyperbole de l'énigme du Sphynx donnée à résoudre à Ulysse plane. De la naissance à la vieillesse, couchée, puis debout, Anne-Emmanuelle Derro s’envole comme un oiseau de nuit qui aurait peur de la lumière. Magistral !

L’arrivée de Lora Juodkaité dans « to do this, don’t do that » est plus tonitruante. Tailleur classique, perruque noire, lunettes bling-bling, elle arpente la scène d’un pas assuré, entre défilé de mode et parade de séduction dans une boîte de nuit. Le personnage déroute. Il faut attendre qu’elle crée le ralenti, pour qu’une fragilité émerge. La carapace tombe. Dépourvu de ses artifices, notre danseuse a du mal à nous regarder droit dans les yeux et seul un juste au corps doré la protège de la  nudité. Torche vivante, elle se consume à chercher sa place, à assumer un rôle, prise dans de multiples contradictions. Elle nous promène, nous perd parfois, nous récupère parce que le corps enfermé dans certains codes de la danse classique, s’affranchit par la recherche d’un langage où l’émotion transperce sa peau dorée. Elle est l'humain polymorphe préférant s'égarer dans les méandres de  la représentation sociale quitte à se perdre elle-même. Touché mais pas coulé.

À peine remis, le voilà qui arrive. Thomas Lebrun en personne ! Claquettes au pied, comportement nonchalant. Il interpelle l’administrateur - régisseur- technicien (on est au off !), prêt à insulter le public de le déranger dans la torpeur de l’été. Il dit nous proposer une pièce non terminée, présentée en son temps à Lyon. Clin d’œil au Off qui autorise tous les recyclages, mais aussi au système de diffusion qui ne permet plus aux œuvres de se déployer dans le temps et l’espace. Notre inquiétude de spectateur d’être largué en rase campagne se déplace peu à peu! Pris dans la tourmente d’une valse de Vienne, la lumière devient plus inquiétante et le voilà affublé d’un masque de banquier en queue de pie puis d’une créature « féminine »  cauchemardesque. Leur danse bat la mesure d’un mix composé de musiques  publicitaires. Apportant une charge contre notre système marchand (tout se vend, pas de perte, que du profit), les recycleurs des musiques classiques, tel André Rieu remplissant des stades avec ses Valses de Vienne, n'ont qu'à bien se tenir. Thomas Lebrun explore et démonte les mécanismes de notre société qui a oublié tout sens premier jusqu’à se perdre dans le mauvais goût. Le découragement initial du chorégraphe devient (notre) son cauchemar : il noie sa danse dans le brouhaha marchand où la banque, coproducteur, le poursuit.

Mais l’homme a des ressources. Il tombe le masque, nous offre sa danse virtuose qui vous soulève le cœur de tant de grâce. Le final gourmand signe l’exigence d’un chorégraphe prêt à métamorphoser son angoisse en mouvement généreux. Rare et précieux.

Pascal Bély – Laurent Bourbousson - www.festivalier.net

« Allone#3 »de Thomas LEbrun à Présence Pasteur jusqu'au 14 juillet 2010. A suivre, "La constellation consternée" du 15 au 26 juillet à Présence Pasteur.

Trois années sans quasiment aucune nouvelle de celui avec qui j’ai approché la poésie dansée.  Le chorégraphe  Christian Rizzo est de retour, au Festival de Marseille, pour “l’oubli, toucher du bois”. C’est un beau titre, car il évoque ce besoin presque vital de toucher du doigt que la danse est affaire de peau et de mémoire, de vie et de mort. Au commencement du spectacle, il y a ces projecteurs clignotants braqués sur nous pour nous éblouir: métaphore probable du tunnel qui mène vers un ailleurs, il s’ouvre vers cette scène sans fenêtre, mais avec trois portes. Le paysage est dedans, la nuit au dehors.

Ici, le décor est une peau de… bois, aux reflets d’écorce, témoignage du passé visible, d’un présent sensible et d’un avenir sans cesse à imaginer. Sept danseurs occupent cet espace d’une suprême douceur pour déplacer pendant plus de trente minutes, objets et corps. Un homme âgé, au début de sa vie (?), regarde ce défilé, pour ne rien perdre du ballet. Font-ils le ménage d’un désordre laissé par notre société consumériste? Aménagent-ils un lieu d’art contemporain dont on interrogerait ses finalités? Comme toujours avec Christian Rizzo, chaque mouvement est un geste d’une extrême poésie, avec la précision d’un horloger à la recherche du temps perdu.

Il y a parfois des effondrements, mais on se relève vite pour esquisser un nouveau geste accompagné par la musique de Sylvain Chauveau qui caresse le fragile. À partir du désordre, elle orchestre l’ordre vital, un vide ordonné, entre le dedans du décor et le dehors des coulisses…Et l’on n’a plus peur, car le vide, ce n’est pas rien... Car chaque mouvement est d’une tendresse infinie et apaise. Car le noir, est la couleur du mouvement.

Alors, inéluctablement, on finit par ne plus savoir où l’on va tant ce spectacle vous attire au dehors des frontières habituelles de la représentation. On lâche la fascination pour ressentir ce tableau en mouvement. Des fulgurances me traversent alors que je vois plusieurs toiles de Magritte, tandis que certaines chorégraphies de groupe symbolisent le chaos du changement. Propulsé dans un environnement quasiment dématérialisé, je navigue entre vie et mort, sens et perte, évanescence et effervescence. Ma confiance envers Christian Rizzo est totale, car je reconnais chez lui l’art de jouer avec les symboles pour nous guider vers la contemplation.

Et je sais cher lecteur que je ne vous ai pas tout dit tout en supposant déjà que cela est assez flou  pour que vous ressentiez mon écriture dans un mouvement totalement désordonné. Mais libre.

Pascal Bély – www.festivalier.net

“l’oubli, toucher du bois” de Christian Rizzo. Au Festival de Marseille le 27 juin 2010.

Crédit photo: Marc Domange.

Est-ce déjà l’effet du château  de William Forsythe, assiégé la veille à Montpellier Danse par une cohorte de spectateurs bien décidés à en découdre avec eux-mêmes et cette société qui paralyse tant leur créativité? Toujours est-il que ce soir, le Pavillon Noir , citadelle "imprenable" de la danse à  Aix-en-Provence, ouvre sa programmation pour accueillir, grâce au Festival de Marseille, le grand chorégraphe Joseph Nadj . Ma détermination à tout lâcher pour que l’imagination prenne le pouvoir ainsi que l’extraordinaire dynamique créée par la troupe de Nadj, vont finir par pousser les murs de cette imposante forteresse de béton et de verre, qui voit déjà le lierre progressivement l'envahir sur l'une des ses facades...

A l’origine, il y a cette scène en lien avec le propos précédent: Joseph Nadj et sa caravane de "danseurs-sculpteurs" et de musiciens se regroupent autour d’un piano qu’ils dépècent peu à peu. L’objet résiste tant bien que mal à l’assaut, mais doit capituler: tel un cercueil grand ouvert, des fleurs finissent par pousser à la place des cordes. La musique sera donc matière vivante. Le spectacle peut commencer!

Le décor fait immédiatement penser à une cave à jazz avec au mur, un cerf dessiné à craie. On imagine mal comment des danseurs vont pouvoir se mouvoir dans un espace aussi restreint. Mais Nadj ne s’encombre pas de ces considérations spatiales. Il crée, et c’est jouissif d’assister, in situ, à un tel processus. L’orchestre de  jazz fait exploser les corps, amplifie chez chacun sa posture de “statue” en mouvement, malaxé par le désir de transformer de leurs arts florissants, les parois de cet espace. C’est ainsi que l’art rupestre se confond avec la danse. Le corps peint. Tout le corps. On ne sait plus qui tient le pinceau, car rien ne se perd, tout se réinvente.  C’est un éloge de la troupe des troubadours, celle qui prend les chemins sinueux de l’art de la métamorphose. Très vite, je ressens que c’est notre regard de spectateur qui provoque l’alchimie ou pas: en effet, ce spectacle très visuel repose sur notre désir d’imaginer cette scène comme notre caverne secrète…

J’ai donc accepté d’accueillir l’art de Nadj, de voir chez chacun d’eux, non un modèle passif dépendant du bien vouloir du maître, mais des artistes actifs maîtres de leur destin. Et quels artistes! Ils libèrent leur jazz pour que vos oreilles regardent, ils prennent leur masque de sorcier pour que vous écoutiez leur danse! Ils convoquent le charmeur de serpent pour hypnotiser l’artiste et le silence est un art. Ils ouvrent fenêtres et portes pour que la nuit, nos ancêtres puissent inspecter nos créations de vivants torturés. Et je jubile parce qu’à chaque instant, ma parole pourrait se délier.

La pièce est annoncée comme l’événement du festival Montpellier Danse. “Symfonia Piesni Zealosnych” du chorégraphe Kader Attou (et directeur du Centre Chorégraphique National de La Rochelle / Poitou-Charentes) fait salle comble au cœur d’un lieu voué à la démolition. L’ancien Lycée professionnel Mendès-France est à l’abandon depuis 2009. Étrange résonance avec un pays dont la politique éducative créée des friches un peu partout. Ce soir, un chorégraphe s’installe symboliquement sur les vestiges d’une grandeur passée.

Le dispositif est bifrontal sans que l’on sache le sens de notre mise en scène, à moins qu’elle ne soit une forme pour séduire. Entre l’autre rive de spectateurs, il y dix danseurs venus d'horizons différents (du hip-hop, de la danse contemporaine et même du Khatak indien) qui interprètent trois mouvements (chant de lamentation tiré des Chants de Lysagora du monastère de la Sainte-Croix; prière polonaise à la vierge “Zdrowas Mario”; chant populaire de la région d’Opole). Cette symphonie, écrite par le musicien polonais Henryk Górecki, est  une évocation de la Shoah et de la souffrance des hommes. Autant dire que la charge émotionnelle de cette musique ne peut avoir la même force exploratrice que les œuvres de Steve Reich  ou de Christian Zanéci, sur lesquelles les chorégraphes Anne Teresa de Keersmaeker, Ginette Laurin ou Michel Kelemenis ont embarqué avec succès les spectateurs dans un voyage d’une infinie complexité.

Ici, tout est donné à voir, à penser, avec générosité, mais j’ai appris à me méfier des propositions qui font le “travail” à ma place. Pour que ces trois visions de la danse s’enchevêtrent autour d'une symphonie, Kader Attou se charge lui aussi de nous émouvoir à partir d’un tableau chorégraphique aux multiples couleurs. Là une touche contemporaine, puis indienne, et au coin (souvent au coin, rarement au centre) un hip-hop qu’il fait entrer dans le panthéon de l’art officiel. A chaque mouvement, le tableau prend forme peu à peu, car l’humain est tendre, à l’image de ces corps où tout glisse comme une larme, où tout s’harmonise comme un bon sentiment. Très vite, Kader Attou créé la symétrie avec la symphonie en convoquant  ses (mes?) symboles. Et pas n’importe lesquels. Quelques hommes se regroupent et l’on pense immédiatement à “May B” de Maguy Marin. Saisissant. Un couple se fait encercler par le groupe et s’y débat et l’on reconnaît la force de Sidi Larbi Cherkaoui. Ils endossent une cape rouge qu’ils jettent à terre, et reviennent les acteurs danseurs de Maguy Marin dans “Description d’un combat”. Un autre groupe d’hommes fusionnent dans des désarticulations complexes et je me souviens de la danse explosive d’Alain Platel.

Le groupe occupe en permanence l’espace et l’étau se resserre  sur la question du sens d’un tel déluge esthétique. La danse n’explore pas, mais implore votre sensibilité. Elle vous embrasse pour mieux vous étouffer. On mélange les genres, mais rien ne se tisse, tout s’impose comme une évidence. Les mouvements sculptent les groupes, mais font-ils pour autant une danse, enfermés dans le désir de démontrer coûte que coûte que le hip-hop est (enfin) légitime pour interpréter le sens de l’Histoire.

Kader Attou est donc entré dans le cercle fermé des Centres Chorégraphiques Nationaux qui ont enclenché   depuis quelque temps une vaste entreprise de séduction des publics et des tutelles. On y célèbre des icônes (Bashung et Gainsbourg chez Jean-Claude Gallotta à Grenoble, Cunningham pour Boris Charmatz à Rennes), un conte (Blanche Neige chez Angelin Preljocaj à Aix en Provence), des mythes (Pavlova chez Mathilde Monnier à Montpellier). À la même heure, Maguy Marin quitte le CCN de Rieux la Pape. Pour poursuivre son travail d’une danse qui positionne le spectateur sur le champ “politique”, parce que c’est là que nous puisons nos forces de résistances et de proposition face à une entreprise de démolition qui piétine chaque jour tous les symboles de la République.

Pascal Bély – www.festivalier.net

“Symfonia Piesni Zealosnych” du chorégraphe Kader Attou à Montpellier Danse du 22 au 25 juin 2010.

Crédit photo: Xavier Léoty