"Que la prudence est triste."
C'est la phrase emblématique choisie par les occupants du Théâtre Valle de Rome. Depuis la mi-juin 2011, ce théâtre est occupé; il devrait à plus ou moins long terme se transformer en restaurant de luxe et salles de jeux. Cela ne sera pas. Ce qui se passe au Valle Occupato est exemplaire; ce n'est ni une programmation, ni une saison, les intéressés eux-mêmes qualifient leur action. «Nous occupons un théâtre comme des ouvriers occuperaient une usine : coupant flux de production et mettant en place une grève permanente des intermittents, s’interrogeant sur les modalités du travail culturel et de son exploitation, questionnant le champ juridique des droits et des lois. Nous occupons comme des agriculteurs occuperaient leur terre : par la réappropriation des temps et des fruits de notre travail…»
Actuellement, une fondation se fabrique : le Valle Occupato essaie de mixer argent public et sociétaires. Leur site internet teatrovalleoccupato fournit tous les renseignements nécessaires à qui veut les soutenir. Ils revendiquent l'art comme un bien commun.
Cela écrit, le Valle n'est pas le seul exemple: à Catania, en Sicile, des artistes et des habitants de la ville reconstruisent le théâtre Coppola, abandonné depuis des années.  Ils y sont maçons, électriciens, plombiers et autres corps de métiers. À Naples, le musée Madre, musée d'art contemporain a fermé, mais fi de cette fatale série, les occupants du Valle avec des associations et habitants napolitains l'ont rouvert faisant sauter le verrou de l'entrée: ils furent accueillis chaleureusement par le directeur du Madre. Pour poursuivre avec ces belles initiatives les «Chantiers culturels de la Zisa» de Palerme sont réinvestis, il n'y a ni lumière, ni chauffage, des salles de travail totalement délaissées par la mairie, mais beaucoup reste à faire et inventer pour celles et ceux qui début janvier célébrèrent l'occupation symbolique des chantiers de la Zisa. À Milan, à Venise, des actions similaires ont eu lieu.
Mais que se passe-t-il au pays de Berlusconi, de la maffia, de la Dolce Vita, du Bel Canto, des Brigades Rouges, de Pasolini, Nanni Moretti, Pippo Delbono, Emma Dante, Roméo Castellucci, Sabrina Guzzanti ? À la radio, l'Italie apparaît comme un laboratoire pour l'Europe : cela veut tout dire et ne rien dire. L’État italien a démissionné depuis une bonne dizaine d'années dans le domaine artistique, culturel, social, éducatif, bref là où les services publics remplissaient une mission qui aujourd'hui bat de l'aile en France. Il y a dix ans ce n'était pas la crise…En Italie c'était une volonté farouche d'en finir avec le progrès, lui qui adoucit la vie, la rend plus supportable malgré les inégalités de salaires et de traitement.
Pourquoi évoquer l'Italie? Aucune prétention d'explication économique ou plutôt comptable dans mes propos ne motive cet article. Alors? C’est le désir et le plaisir de rencontrer des «imprudents», qui n'ont pas honte de se fourvoyer, de se tromper, qui le disent, l'écrivent et le vivent. Ces imprudents ne voulant plus du consensus mou que les mots subventions et rentabilité engendrent; ils ne s'illusionnent plus sur la démocratie même participative, ils savent bien que les assemblées générales ne sont pas la potion miracle d'un fonctionnement collectif. Mais ces imprudents laissent la porte ouverte, squattent des lieux en essayant de ne pas cultiver l'entre-soi, le réseau, dernier avatar de notre système de relations sociales qui nie celles et ceux qui n'en font pas partie (Deleuze n'est plus là pour faire la critique de ce fameux régime rhizomatique).
Et après ? La boucle se refermera sur le regret de ces imprudents Romains : «nous n'avons qu'un regret. Nous ne saurons jamais ce que nous avons raté. En effet l'argent public investi par pure formalité, sans aucun projet précis, sans aucune perspective de développement : c'était bien la proposition artistique de l'administration de la capitale européenne ayant le plus grand patrimoine artistique de l'humanité. »
Élisabeth Ferracci, contributrice de la page Facebook du Tadorne.

Pour aller à la rencontre de ces imprudents, les vignettes d'Aude Lavigne de France Culture.

C’est certain. À l’automne 2011, Marseille aura sa « Maison pour la danse ». Elle est déjà membre du réseau «European Dancehouse Network». Joli présage. Ce matin, sur la scène du Théâtre des Bernardines (dans le cadre de la 5ème édition de «Question de Danse»), ils sont huit ⁽¹⁾ à s’engager pour ce projet. En première ligne, le chorégraphe Michel Kelemenis précise que ce ne sera pas la maison de sa compagnie, mais bien un espace d’accueil privilégié pour la danse.

Cet équipement de 1900 m2, au cœur d’un quartier populaire de Marseille, sera un lieu de production et de création en lien avec l’action culturelle existante de la compagnie. En positionnant la Maison (joliment nommée Klap) comme un lieu de partage, de rencontre et d’élaboration commune avec les acteurs culturels de la ville, Michel Kelemenis pose un postulat : la danse a besoin d’un espace temps protégé, mais aussi d’ouvertures nourries par le dialogue entre tous les acteurs qui la croise. Klap ne sera donc pas une chapelle pour quelques esthétiques !

Le plateau, animé par Philippe Fanjas (président de Kelemenis & cie) est à l’image de ces intentions : chacun est invité à faire part de sa représentation et de ses hésitations ! Maison «de» (en référence à celle de Lyon),  maison «pour», tandis qu’Alexandre Carelle de la Fondation BNP Paribas préfère «maison avec». Sûrement, les trois à la fois ! Ce sera un «outil à usage partagé» comme se plaît à préciser Cristiano Carpanini, directeur du festival DanseM ; «à nous d’en construire les ponts, mais pour cela, il faudra reconnaître l’endroit où chacun de nous a travaillé». La question de l’épaisseur des murs est donc indirectement posée. Le chorégraphe Christophe Haleb questionne : «comment allons-nous l’habiter tout en permettant sa porosité ? Entre la danse éphémère et le mur pérenne, quelle tension allons-nous créer pour accueillir l’étrange ?».

«Fabriquez ! , « cherchez !», «donnez du temps au temps de la création» semble répondre Michèle Luquet-Bonvallet qui rappelle que la Maison de la Danse de Lyon est un lieu de diffusion. Elle ressent déjà la complémentarité entre les deux établissements. Deuxième joli présage. Car faut-il le préciser, Klap ne sera pas à proprement parler un lieu de diffusion («même si la tentation sera grande de dériver vers la programmation» souligne Alain Fourneau, directeur du Théâtre des Bernardines) mais surtout un outil « à disposition des acteurs culturels » pour «creuser les complémentarités» et «amener plus de danse à Marseille» lui répond Michel Kelemenis. D’autant plus que Klap sera propulsé au niveau international dès son ouverture à la fois par le réseau européen des Maisons de la Danse et par Marseille Capitale 2013. Car «le local s'attrape par le global» souligne Christophe Haleb.

Tandis que la chorégraphe Perrine Valli (de nationalité franco-suisse et originaire d’Aix en Provence) précise tout le chemin qu’elle a dû faire ce matin pour revenir dans sa région d’origine (faute d’équipements pour travailler ses créations), je fais un rêve : celui d’inviter des spectateurs actifs à créer un maillage autour de Klap afin que le processus de création chorégraphique se nourrisse de nos visées de danse. Pour qu’il ne soit plus nécessaire de courir après elle aux quatre coins de l’hexagone.
C'est une Question de Danse.

Une question démocratique.

Pascal Bély - www.festivalier.net

Un an pllus tard, l'ouverture: Klap, Capitale maison pour la danse.

(1) Michèle Luquet-Bonvallet, secrétaire générale de la Maison de la danse de Lyon, Christophe Haleb, chorégraphe,
Perrine Valli, chorégraphe lauréate du programme Modul Dance de l’EDN, European Dancehouse Network, sélection Question de danse 2010
Alexandre Carelle, responsable du pôle culture, Fondation BNP-Paribas,
Les partenaires de Question de danse :
Cristiano Carpanini, directeur du festival DanseM et Alain Fourneau, directeur du Théâtre des Bernardines.

Depuis cinq ans, avec plus de 700 œuvres vues, le spectateur Tadorne  a eu le temps de nouer des liens avec les créateurs, formant la toile qui soutient cette démarche particulière d’un spectateur en « travail»…Certains en comprennent le sens, observant avec bienveillance cette émergence qui les positionne dans un rapport différent à la critique. Comment créer une relation ouverte avec un spectateur qui n’est pas un « acteur culturel », dont la parole est « reportée » par les moteurs de recherches de l’internet, et dont le lien à la culture va au-delà de ce qu’il voit sur scène ? Pour le Tadorne, écrire bouleverse ses représentations du lien à l’artiste : d’une position haute ou basse, il apprend la relation horizontale, fraternelle pour s’inclure dans un processus.

Avec le chorégraphe Michel Kelemenis , ce lien est en dynamique depuis les «Aphorismes géométriques », œuvre qui a changé son approche du mouvement dansé. En écrivant à partir de son ressenti, le Tadorne est entré dans la danse! En 2008, Michel Kelemenis prend l’initiative de l’inviter pour être membre du jury d’un concours organisé par l’ADAMI à Marseille. Pour la première fois, le Tadorne communique à égalité avec des « spécialistes ». Michel Kelemenis poursuit ce travail de mise en « mouvement » avec ce spectateur « atypique » : trois mois plus tard, il accepte sa demande d’assister aux répétitions. Au-delà d’une médiation classique qui consiste à présenter une étape de travail, cette ouverture dans le temps (elle a duré une dizaine de jours)  permet au spectateur Tadorne d’élargir son regard sur l’œuvre, de relier le travail du chorégraphe à d’autres métiers de l’humain (professionnels du lien social, formateur, thérapeutes, animateur d’équipe,…),  et d’imaginer toutes les articulations possibles entre son travail et celui d’un artiste ! Le spectateur Tadorne finit donc par s’interroger : pourquoi n’intègre-t-on pas dans la formation initiale et continue des acteurs qui travaillent dans le champ de la complexité, d’assister à un processus de création artistique, et qui les aiderait à faire face aux défis des crises systémiques, où tout est lié ? Comment rendre visibles ces processus au moment où l’État baisse ses financements sur le "résultat" ? Comment accompagner les artistes à ouvrir ce qu’ils protègent (parfois à juste titre) ?

Ces questionnements trouvent un prolongement avec Pierre-Jérôme Adjedj. Ce jeune metteur en scène, rencontré grâce au réseau social Facebook, m’invite en novembre 2009 à suivre sa résidence de création d’« Initial Sarah Stadt » « à la Ferme du Buisson près de Paris. L’expérience est troublante, car la présence du Tadorne interagit avec le processus sans que l’on puisse encore savoir exactement où. De retour à Aix en Provence, le Tadorne n’en dort quasiment plus ! Il a observé ce qu’il n’aurait pas dû voir, « la chose » comme lui renverrait sûrement la psychanalyse. Quelques semaines plus tard, cette ouverture permet au Tadorne d’écrire sur « le blogueur hybride"  tandis que Pierre-Jérôme Adjedj lui envoie un article troublant : « Le chemin de la création est-il condamné à être un temps préalable au temps des spectateurs ?...En d’autres termes, formulons une proposition : supposons que le temps de la création devienne un temps partagé ? Au paradigme du chemin parcouru jusqu’au public se substituerait la possibilité d’un temps immédiat, correspondant à un espace ouvert. Un espace public… D’entrée, balayons le soupçon démagogique : il ne s’agit pas de (faire) croire que le spectateur entre dans le rôle du comédien, du metteur en scène, ou de tout autre membre de l’équipe. Ce à quoi j’aimerais l’inviter, c’est à entrer en lui-même, entrer dans son rôle étymologique d’observateur, à donner à ce rôle de spectateur un poids, une importance, une noblesse à même de peser sourdement sur la création en cours. On ne demande pas au spectateur de voter pour décider de la fin ; on ne lui demande d’ailleurs rien ; on intègre simplement sa présence. La présence : on en parle volontiers pour louer le charisme d’un acteur. Et si l’on louait la présence des spectateurs (ça changerait des stratégies fourbes pour l’acheter, aux seules fins de faire briller le sacro-saint taux de remplissage) ?... Un spectacle vivant, dans la mesure où il cherche à échapper aux formats et recettes en vigueur, donne à voir tout au long d’un processus de création lui-même composé de multiples processus enchevêtrés. C’est au cœur même de la fragilité de ces processus que le spectateur peut tout à la fois puiser une matière inédite, intime, et apporter en retour la participation de son regard. Inévitablement, la forme de l’objet fini portera les traces de ces regards successifs… ». À ce jour, un homme de théâtre et de danse sont artistes « Tadorne », liés « comme si » nos projets étaient interdépendants.

Christiane Véricel ne tardera pas à les rejoindre. Auteuse et metteuse en scène, elle travaille avec des enfants acteurs et des comédiens adultes sur tout le continent européen. Toujours grâce à Facebook, nous nous sommes rencontrés à Lyon, pour faire connaissance. Puis sa dernière création, « « Les ogres ou le pouvoir rend joyeux et infatigable », a dévoré le Tadorne. Notre rencontre est inévitable. Son projet européen s’appuie sur le collectif, le maillage et promeut des valeurs universelles. Le spectateur Tadorne a beaucoup à apprendre de cette compagnie qui incarne un modèle de développement de la culture à partir du lien social.

Il y a bien sûr d’autres artistes qui sont fortement liés au Tadorne. Le metteur en scène David Bobée est toujours fidèle à la démarche et commente les articles critiques que nous écrivons sur lui. Des liens de confiance se sont noués avec d’autres et le Tadorne suit leur projet : la Vouivre, Robin Decourcy, Sofia Fitas, Renaud Cojo, Patrick Servius, Patricia Allio, Gilles Groppo, Anne Lopez, Nicolas Mathis, Christian Ubl. Mention toute spéciale au chorégraphe Philippe Lafeuille qui encourage et affectionne. On n’oublie pas Pascal Rambert à qui le Tadorne doit sa plus grande colère de spectateur tout en s’intéressant à la façon dont il ouvre le Théâtre de Gennevilliers au public.

Le Tadorne croise souvent le regard bienveillant d’Hubert Colas et cela fait du bien. Tout comme le merci chaleureux d’Olivier Dubois pour l’avoir soutenu dans sa création en Avignon. Il y aura toujours Jérôme Bel pour l’étincelle.

Et puis, Maguy Marin, qui nous offre un théâtre n é de la danse. Sa détermination n’a pas fini de faire voler le Tadorne.

Pascal Bély – www.festivalier.net

Associer le spectateur au processus de la création est désormais habituel pour un lieu institutionnel. On participe régulièrement à des étapes de travail, des répétitions, durant lesquelles on se retrouve en situation de spectacle. Nous pensons alors avoir accès à l'inédit, à ce « quelque chose » que nous sommes seuls à voir. C'est souvent un temps répété dont la spontanéité est quasi absente.

La newsletter du « Ring », théâtre en Avignon, proposa le mois dernier d'assister à un travail de création, « en construction », de l'écriture jusqu'à la livraison finale lors du prochain Festival Off 09.  « Les culs de plomb », écrit par Hugo Paviot, mise en scène par Marie Pagès, avec David Arribe, Aïni Iften, Sophie Stalport et Coralie Trichard, se laisse donc voir dès sa genèse.

Tout commence à l'envers. Marie Pagès nous accueille et présente toute l'équipe artistique. Comme une fin de spectacle, les voici en ligne, prêts à saluer.

Personne ne sait le déroulement de la soirée, sauf qu'il va lever le voile sur son écriture. Les acteurs et le metteur en scène sont alors à la merci de l'auteur. Nous aussi. Mais comment  articuler un travail relevant de l'intime avec des comédiens?

Hugo Paviot prend la parole, nous raconte la rencontre avec Marie, leur envie de travailler ensemble, leur complicité, ce qu'il est, ses lectures, ce qui le nourrit. Il fait des tentatives avec les comédiens, avec Marie Pagès, afin de nous donner la substance même de ce que pourrait devenir le texte en écriture. On touche à l'inexplicable, au « pourquoi ».

Des essais imaginés prennent forme et la spontanéité fait son œuvre : des images de guerre, des mots, la musique de Barber. La confiance s'installe. Ce moment de partage nous embarque tous, sans savoir où nous allons.

Après une heure de discussion autour de « la cuisine de l'auteur », Marie Pagès clôture. Est-ce la première scène ?

Ce soir-là, le théâtre retrouve de l'âme, car il concilie spectateur et créateur. Une réponse à la crise ?

Laurent Bourbousson.

www.festivalier.net

Cette première session intitulée "La cuisine interne de l'auteur" a été présentée le 9 janvier 2009.

A venir, le second volet : La livraison du "premier jet de la pièce", le vendredi 13 février au Ring - Avignon

Deuxième épisode de mon immersion dans le travail collectif du chorégraphe Michel Kelemenis. Lundi dernier, je l'avais laissé avec Caroline Blanc et Marianne Descamps alors qu'ils répétaient « viiiiite ». Leur trio circulaire fragile et déterminé m'avait ému par  leur engagement dans la relation créative. Aujourd'hui samedi, ils sont sept à occuper l'espace du troisième étage du Pavillon Noir d'Aix en Provence. La deuxième pièce, « Aléa» fait partie du tryptique («viiiite » et « Tatoo ») qui sera présentée dès le 29 janvier.

A mon arrivée, Caroline Blanc illumine à nouveau par sa présence tandis que Marianne Descamps semble si différente que je peine à la reconnaître. Que s'est-il donc passé? L'œuvre habite-t-elle a ce point les danseurs jusqu'à les métamorphoser, même en répétition ? Est-ce la force du collectif? Troublé, je les suis du regard pour entrer dans le groupe alors que je reconnais le danseur et chorégraphe Christian Ubl (actuellement à l'affiche du festival parisien « Faits d'Hiver » où il présente « Klap ! Klap ! »), celui-là même qui m'avait tant interpellé dans ma posture de spectateur l'an dernier. Le puzzle continue de se mettre en mouvement !

« Aléa» était à l'origine une pièce écrite pour quatre danseurs, lauréat des « Talents Danse » de l'Adami en 2005. Elle s'est élargie jusqu'à sept avec le collectif « Coline » à Istres (structure aujourd'hui injustement menacée), puis avec la Beijing Modern Dance Company. Très vite, je ressens que cette œuvre travaille la dynamique collective tout en donnant à chacun la possibilité d'adopter une posture contenante à l'égard du groupe.

Le positionnement de Michel Kelemenis au cours de cette répétition semble épouser le propos si bien que le « management » du groupe est isomorphe avec le sens de l'œuvre . La figure de la tresse présente dans « Aléa » est d'une telle complexité qu'il faudra plus de trente minutes pour que chacun se calle. Michel entre, sort, va au centre, de côté. Il maille l'espace comme s'il tissait une toile pour que les danseurs travaillent en confiance. Il communique sur les processus (« il te faudrait avoir plus confiance », « que se passe-t-il chez vous pour que vous évitiez les tartignoles »), invite à la mise à distance avec humour (« quand Marianne commente ce qu'elle fait, elle ne sait pas ce qu'elle fait !»), alterne moments où il démontre la technique, s'attarde sur chacun d'entre eux, régule la dynamique, offre des espaces où des duos, trios répètent, intègre la vidéo, tout en ne perdant jamais le cadre contenant du groupe. Impressionnant ! Mais où va-t-il chercher une telle posture ? Où vont-ils puiser cette énergie, cet engagement, au risque de ne jamais s'arrêter pour souffler ? La technique d'animation de Michel est fascinante. Et si l'on proposait aux chorégraphes d'animer des sessions de management dans les Universités et les grandes écoles?

Une autre dynamique attire l'attention. C'est un mouvement à deux, à trois puis à sept où l'espace semble danser aussi ! Il provoque un débordement d'énergie: à la fois très technique, il fait travailler les processus de confiance, de reliance où le corps individuel épouse le corps du groupe, où le geste physique se fond dans le propos. L'apprentissage d'un langage dans le langage augmente la tension et l'intensité dramatique.

Arrive un bruit. Clac ! La peur. Caroline a bien failli se casser la mâchoire. Le danger, le risque du métier, là, devant moi. L'aurais-je oublié ? Elle sort quelques minutes pour entrer à nouveau. Olivier Clargé, Marianne Descamps, Gildas Diquero, Tuomas Lahti, Bastien Lefèvre et Christian Ubl semblent avoir intégré ce risque-là ; aucun signe de panique. Ils sont déterminés à poursuivre avec elle. Plus rassurant que jamais, le mouvement qui suit devient un baume.

Une télévision trône, tel un astre, où les danseurs s'agglutinent pour aller chercher le repère. Je m'amuse de les voir ainsi, imaginant la répétition comme une danse ! On commente devant la vidéo, on rit des autres danseurs filmés. C'est un tout petit espace de régulation, où l'on se régénère de cette position un peu haute. Puis, ils repartent essayer de nouveau, encore et encore.

Puis une pensée imagée me traverse : pour quoi la danse en 2009, là, avec la crise qui nous contraint par la peur ? Cela me plaît de les voir comme les bâtisseurs de nos futures cathédrales, alors que tout s'effondre et où la place vide, offre à la danse, le plus bel espace pour reconstruire nos imaginaires enfouis sous le poids de nos certitudes d'antan.

Pascal Bély

www.festivalier.net

A lire, le premier épisode: Michel Kelemenis à Aix en Provence : le making of de "viiiiite"(1/4) !

Le troisième: Michel Kelemenis à Aix en Provence : le making of d'"Aléa"(3/3).

La générale: Michel Kelemenis, chorégraphe.