Cette année le Festival Montpellier Danse ne crée pas le vent de réactivité que j’avais connu l'année dernière, alors qu’il accueillait des artistes israéliens. Par contre, la programmation 2012 offre un regard intime sur le monde arabe et oriental.

En premier lieu, j’ai découvert  Bouchra Ouizguen et ses trois partenaires dans «Ha !». Leur représentation du quotidien de la femme à travers une voix masculine a bousculé les genres. J'ai vibré dans les secousses des gestes répétitifs de travailleuses acharnées; j'ai amorti les coups de reins dans les ébats forcés; j'ai souffert dans leur accouchement vers la liberté de bouger, de s'exprimer, de penser; j'ai souri, les yeux brillants, partageant leur plaisir vers de libres mouvements. Ce qui nous semble naturel dans notre pays se transforme en combat. Leur force collective m’a nourri jusqu’à partager leur dynamique.

Avec Radhouane el Meddeb dans «Sous leurs pieds, le paradis», j’ai voyagé en Égypte lors d’un concert mythique en 1966 au Caire.  Le chant d'Oum Kalthoum remplit tout l'espace. La musique des «sixties» rejoint la soif d'émancipation du 21ème siècle. Ce chant d'amour résonne jusqu'au bout des phalanges de Radhouane d’où l’on perçoit une forme d'extase. Son corps bien en chair porte la séduction de cette femme et de toutes les femmes; celles de Bouchra, celle des peuples arabes, celles du public. Son corps secoué de bas en haut traverse l'intérieur de nos viscères et de nos pensées. Nous assistons une fois de plus au «mélange des genres» : un homme porte la voix d'une femme avec un port de tête haut. Quel que soit l'artiste, le message d'amour, de révolte est le même. Les écrits réactionnaires et étriqués volent en éclats. Les voiles tombent. Seuls subsistent le corps et la voix transformés par un désir de survie. La force de ces représentations est d’unir hommes et femmes, ensemble. Ils rejoignent ainsi notre soif d’égalité encore absente dans nos sociétés occidentales. Mais j’ai un regret : la salle pour Radhouane El Meddeb est clairsemée. Ce moment méritait une plus large diffusion.

Le lendemain, dans la cour de l'Agora de la Cité de la Danse de Montpellier, un haut-parleur hurle. Les mots claquent contre les piliers de cet espace, vide et vierge comme le terrain laissé par l'après-révolution tunisienne. Le champ est libre. Tout est à reconstruire. Le public est autour de Radhouane qui reprend sa marche, ses vibrations charnelles. La pression monte, tout comme mon effroi, en même temps que la musique. Quel sens a cette représentation? Pour quel public se joue-t-elle? J'ai l'impression de me tromper d'endroit, tant les personnes autour de moi semblent plongées dans l'incompréhension. J'aimerai partager ce moment, dehors, dans des quartiers, des lieux de vie. La récente performance de François Rascalou revient à ma mémoire, ainsi que la surprise de ces habitants touchés par l'expression artistique au détour des galeries marchandes.

Là, dans la clarté  du cloitre, qui est vraiment touché, entre sexagénaires bourgeois et professionnels de la culture...? Je ressens une distance, confirmée par les propos d’une spectatrice autour du buffet d'après spectacle ("Je n'ai pas trouvé que c'était de la révolution dont il parlait.)»

Quelques jours après, l’iranien Hooman Sharifi nous dévoile son âme. Il tord les corps, déchire le sol, hurle les voix, frappe les pierres, enserre les tissus avant de les jeter, crache lentement comme un enfant qui arrose pour rire, puis, ensuite, penché comme un adulte qui souffre dans son dégoût de vomir. Sa société perd ses fondements, son patrimoine, ses savoirs, sa richesse de la connaissance, son  humanité. Tout le plateau explose sur tous les plans. La vidéo expose des dessins noirs de personnages animalisés traversés d'objets contondants. Je repense à «Persepolis» de Marjane Satrapi. Je suis triste pour cette jeunesse créative sinistrée, mais admirative par cette nouvelle force d'exister à tout prix. Puis, Hooman Sharifi nous propose un feu d'artifice d'images, qui, en se rapprochant, deviennent plus nettes: notre vue globale s'affine pour mieux distinguer les détails de l'horreur. Oui, nous refusons de voir ce noir, cette souffrance si lointaine, mais si proche tout à coup. Le rêve pointe dans le rassemblement des papiers qui transforme les comédiens / danseurs en sorte de grands personnages extraordinaires. Leurs ailes nous emportent. Les paillettes, le métal renforcent la carapace de l'imaginaire. Dans le monstrueux, se révèle le beau, comme dans la noirceur de «La belle et la bête» de Cocteau. Nous sommes dans le surréalisme de l'enfer et du paradis.

Et j'y fouille encore...

Sylvie Lefrere de Ventdart vers le Tadorne.

Bouchra Ouizgen : "Ha!" - Radhouane el Meddeb et Thomas Lebrun : «Sous leurs pieds le paradis" -  Radhouane el Meddeb : " 14 janvier 2011"  - Hooman Sharifi: " Then love was found and set the world on fire".

A Montpellier Danse – Juin/juillet 2012.

Vendredi 29 juin, 21h, Festival de Marseille.

La foule se presse pour assister à la nouvelle création du collectif Belge Peeping Tom.

C'est la salle Vallier qui accueille cette pièce (à l'origine... une salle de boxe). Il est vrai que ce fut le parcours du combattant pour arriver à obtenir ce ticket tant convoité ! Mais j'ai mon sésame. Je me dirige donc vers ma précieuse place, au premier rang central, détail qui a toute son importance dans ce lieu inadapté et suffocant. Je vais malgré tout passer quatre-vingts minutes avec l'une des compagnies que je suis avec grand intérêt depuis presque dix ans et que je retrouve avec joie, émotion et un peu de nostalgie. Entre Peeping Tom et moi, c'est déjà une vieille histoire, qui date du festival Uzès Danse.

En 2004, ils y présentaient le second volet de leur trilogie : «Le Salon». Je découvrais alors une gestuelle et des artistes hors-normes, une danse généreuse et touchante, un collectif soudé et chaleureux, empli d'une belle humanité. L'année d'après, nous programmions «Le Sous-sol» qui clôturait en beauté cette trilogie sur la famille, la vieillesse et les rapports humains. Quelques années après, et n'ayant pu voir «32 rue Vandenbranden», c'est donc avec un réel enthousiasme que je m'apprêtais à vivre cette nouvelle expérience.

«À louer», leur dernière création, est un thriller chorégraphique, à la fois surréaliste et inquiétant, une sorte de Cluedo dansé mêlant l'univers d'Hitchcock et de Buñuel.

Nous sommes dans le salon de réception d'une maison bourgeoise, un salon vieillissant, étouffant et intrigant. Un gigantesque rideau rouge en arc de cercle entoure cet espace et nous plonge immédiatement dans un huis clos dont nous serons acteurs malgré nous. Dans ce décor angoissant et imposant, une maitresse de maison sortie d'un film d'Almodovar s'entretient avec son valet. Leur relation est étrange. Qui sont-ils ? Un lourd secret semble les unir, voire un triste mensonge. Les autres habitants de cette demeure jouent à cache-cache, des visiteurs arrivent en masse, impossible de les discerner, ils prennent vie entre ces rideaux, dans des pièces invisibles que l'on imagine à perte de vue. On pourrait croire à un vaudeville, les portes claquent, les personnages s'immiscent et sortent par des entrées lumineuses dissimulées derrière ces imposants rideaux, mais il n'en est rien. Ce ballet incessant est comme le fil rouge de notre pensée. Le décor en est le cadre, il se reproduit à l'infini, comme autant de cases de notre cerveau, d'assertions, de distorsions qui modifient l'espace-temps et nous plongent dans un monde parallèle.

Peu à peu je deviens le voyeur qui observe avec empathie tout ce petit milieu, ces jeux de pouvoir, ces rites amoureux, ces déceptions... Je tente de percer les secrets de cette maison : qui est vraiment ce valet aux mouvements déstructurés, que cache ce couple, quelle est la place de cet enfant devenu grand, mais qui cherche encore le regard approbateur de sa mère trop occupée à revivre ses auditions ratées, qui est ce jeune homme sur ce tableau funéraire ? Et cette maîtresse de maison habitée par la tristesse et les souvenirs, que cherche-t-elle ?

Leur danse m'accompagne dans ce questionnement, elle est le lien, elle me porte, leurs mouvements me font voyager dans cette maison, découvrir les recoins cachés, les secrets inavoués, les miens peut-être aussi. Je n'ai plus de repères, le temps s'est arrêté. Je suis prisonnière de cette maison hantée, au bord de la folie. Les flash-back s'enchainent, la virtuosité de ces interprètes est à son apogée. Le souffle court je les observe toujours, ou bien est-ce eux, qui nous observent nous perdre dans ce labyrinthe mental et physique ?

Les figurants reviennent, le salon se peuple, le temps reprend son cours ; je suis perdue, au bord des larmes, le souffle coupé, enfermée dans cette attraction à taille humaine. Ils me regardent avec insistance, comme pour me demander: «Alors, où en es-tu de ta vie ?»

Qu'ai-je perdu, qu'ai-je retrouvé, qu'ai-je cédé ? Je ne le sais pas vraiment. J'ai ressenti le vide, celui avant le grand saut, celui de la vie qui défile et de cette angoisse qu'on ne peut maitriser. L'angoisse du temps qui passe, du temps perdu. Ce moment où la vie se transforme en rêve, parfois en cauchemar, cette ligne invisible et si fine entre ces deux mondes irréels.

Les Peeping Tom ont une nouvelle fois créé leur monde et merci à eux de m’y avoir à nouveau convié.

Alexandra Piaumier - Le Tadorne.  

 "A louer" - Peeping Tom au Festival de Marseille les 29 et 30 juin 2012.

Il y a quelques jours, je publiais un article sur Olivier Dubois, chorégraphe de «Rouge», présenté au dernier festival d’Uzès Danse. Habillé en soldat russe vêtu d’une robe en latex, de chaussures à talons rouges, il incarne le combattant universel et ce long processus qui renoue la parole avec le corps pour une pensée en mouvement. Parce que la danse se ressent par la chair, parce qu’on ne fait pas taire celui dont le corps intime parle de l’humanité, «Rouge» est une bombe chorégraphique. Quelques jours plus tard, à Montpellier Danse, une autre déflagration fait trembler l’Agora. La Libanaise Danya Hammoud s’avance vers nous, tandis qu’une musique vrombissante nous fait entendre le bruit des bombes comme s’il venait du fond de scène. Quasiment immobile, elle nous invite à percevoir, à ressentir son déchirement: cette intériorité fulgurante est à l’image d’une chorégraphe qui porte son projet en elle, son enfant en quelque sorte. Coûte que coûte, danser. DANSER.

Elle maintient la salle éclairée, comme si le moment de notre rencontre était une scène de cinéma.  

Elle maintient la salle éclairée, comme en temps de guerre…pour ne pas se perdre de vue. Sait-on jamais….

Elle danse…lentement…très lentement. Danser est un combat quand il s’agit d’affronter la vitesse foudroyante des bombes, mais aussi celle de l’internet, de nos désirs d’immédiateté.  

Elle s’avance vers nous, bouge millimètre par millimètre et j’entends déjà le mouvement intérieur, celle d’un rôle statufié vers un positionnement assumé. Son corps est territoire. Mes ressentis sont ma carte. Il y a cette musique qui vrombit, mais qui n’est plus seulement un contexte : elle est la partition de son tourment. Le sol fait corps avec elle pour qu’il devienne sa terre d’élection. L’espace parait immense à la mesure du chemin à parcourir pour que le danse au Liban se fraie une voie.

Elle finit par s’allonger, presque aguicheuse.

Je suis masculin.

Du corps biologique, vers le corps social, elle parie sur ma sensibilité à partir de petits gestes  qu’elles prolongent à l’infini.

Je suis féminin.

Elle ose danser à reculons puis revient vers vous, spectaculairement, pour m’électriser. Pour dénouer les nœuds.

Je suis de rock.

Peu à peu, le mouvement se fait plus doux…De nouveau allongée, le geste se meurt dans son regard jusqu’à m’atteindre. Puis elle disparait dans la lumière tamisée. Elle est chorégraphe de l’ombre pour éteindre la bombe humaine.

Danya Hammoud est la sœur d’Olivier Dubois. Ces deux-là ont d'étranges "matières": une chair politique pour une danse sociale. Avec eux, une même sensation : celle d’appréhender la danse par la communication. À aucun moment, ils n’ont lâché le lien comme si cela ne pouvait être possible (et pourtant, combien sont-ils les chorégraphes centrés sur leur propos, à nous de nous y conformer !).

Parce que Danya et Olivier sont probablement habités par une vision commune: le travail sur soi est politique.

Pascal Bély – Le Tadorne

ps: J'ai vu cette vidéo après avoir écrit l'article. Troublant.

« Mahalli » de Danya Hammoud à Montpellier Danse les 24 et 25 juin 2012.

Combien d’œuvres de danse contemporaine considèrent la musique comme fond sonore pour chasser un silence pourtant vecteur de sens ? Ce soir, il en va tout autrement. Trois interprètes ne dansent pas sur une musique. C’est la musique qui chorégraphie  leur corps. Je joue avec les mots? Probablement, mais c’est la première image qui émerge à l’issue de «Professor/Live» de Maud le Pladec avec l’ensemble musical Ictus. Cinquante minutes euphorisantes, énergisantes, palpitantes où mon corps a eu quelques difficultés à contrôler mes pulsations rock’embolesques. Comment est-ce possible que trois danseurs soient à ce point si virtuoses pour restituer avec humour et présence, le rock électronique et symphonique du compositeur Fausto Romitelli? 

«Professor/live» est une succession de trois «leçons», trois chapitres ouverts où j’ai plongé, où mon corps a littéralement interagi à ce croisement musique–danse comme si de ma place, j’animais cette articulation. Rarement une danse ne m’a à ce point accueilli comme un mélomane en puissance et je le dois en grande partie au solo époustouflant de Julien Gallée Ferré qui a su m’apprivoiser. À le voir approcher cette musique si fluide qui lui échappe des doigts, je m’étonne d’entrer si facilement dans la partition. Tandis que l’ensemble Ictus est derrière le rideau noir, ses membres sont instruments, son corps est orchestre. Je le suis du regard tandis qu’il occupe l’espace là où le son ne va pas. Tel un centre de gravité, la musique déséquilibrée trouve son point G à partir d’une chorégraphie si virtuose qu’elle pourrait orchestrer les ressentis des spectateurs ! Il laisse entrevoir un filet de lumière d’où je devine l’ensemble Ictus: ce geste d’une belle élégance me signifie la bonne distance du danseur en maître des lieux. Julien Gallée Ferré devient à son tour musicien, au sens propre comme au sens figuré, alors qu’il intégre l’orchestre pour amplifier les vibrations de son corps avec une basse. Le danseur se permet tout et cette liberté est totalement jouissive. Mais je n’ai encore rien vu, rien entendu tandis que deux complices le rejoignent pour jouer au chat et à la souris, entre chien et loup.

On les croirait frères, telles des cellules d’un même corps qui entreraient en collision pour créer l’illusion d’une partition fraternelle. À ce jeu là, l’univers de la bande dessinée s’invite pour ajouter à la chorégraphie de Maud le Pladec, sa part d’ombres et de lumières, d’apparitions et de disparitions. N’est-ce pas cela la musique ? Je me surprends à me voir jouer avec eux, très à l’écoute de leur musicalité. Je lâche prise. Je suis "multiprises".

Tandis que la musique se fait plus oppressante, nos danseurs ralentissent leurs gestes. De l’effroi, à la peur, à la catastrophe, la bouche est trombone, les lèvres sont violon…Nos ressentis sont notes et le groupe est la partition musicale de nos métamorphoses. Derrière eux, le rideau de scène  s’ouvre et se ferme, se  découvre et recouvre tel un voile pudique posé sur nos symphonies imaginaires. Couchés ou debout, leurs corps respirent la musique jusqu’au moment fatal où de nouveau seul, Julien Gallée Ferré nous invite à divaguer avec nos fantômes. La ligne a été franchie. La musique se perd dans l’inconscient. Elle est langage.

Ils peuvent revenir vers nous. Alignés, nos danseurs jonglent avec les notes et propagent pour démultiplier les sons puis peu à peu, ils s’entrechoquent, s’articulent…La chorégraphie crée la partition des corps-musiques: nous voici au-delà de l’imaginable, assistant à la création d’une symphonie où les corps orchestrent la vie et la mort, le conscient et l’inconscient, le  geste et le mouvement.

Nous sommes les enfants du rock.

Mortel(s).

Pascal Bély – Le Tadorne.

« Professor / Live » chorégraphie de Maud le Pladec avec l’Ensemble Ictus au Théâtre de la Criée de Marseille le 15 mai 2012 dans le cadre du Festival « Les musiques ».

Maud le Pladec sur le Tadorne à propos de "Poetry".

Retour sous forme d'abécédaire sur le festival Les Hivernales d’Avignon. Parce que la danse est une et multiple....

C comme conceptuelle
Imaginez les horizons, le ciel, les nuages et laissez-vous transporter au travers du «Notebook»de Malgven Gerbes et David Brandstätter. Sous forme conceptuelle, leur pièce est l’heureuse surprise de cette édition. Tout comme bon routard, le spectateur prend son envol avec son guide de voyage. Ici, il résume les différents points du déroulé chorégraphique pour nous entraîner au Japon et en Corée. Telles des cartes postales, chaque étape inscrit la mémoire du lieu, du vivre asiatique. Mouvements imperceptibles, tracés de riz, paroles, captations de sons quotidiens et temps suspendus illustrent des images réelles et imaginaires. «Notebook» est un voyage immobile qui donne des envies d'ailleurs.

D comme découverte
Avec les HiverÔclites, le centre de développement chorégraphique les Hivernales permet à sept jeunes compagnies sélectionnées sur dossier de présenter dix minutes de leur création devant un jury. La compagnie Parc a fort justement remporté le prix du jury des professionnels (une semaine de résidence au Ballet national de Marseille). Avec "Stück", les trois danseurs questionnent notre relation aux mythes, aux mots, aux fondements de notre société. Sans aucun doute une compagnie à surveiller de près. Ezio Schiavulli remporte le prix du public (une semaine de résidence au CDC Les Hivernales). Un ensemble hip-hop fougueux sous fond de polar noir. Un petit regret: l’absence de la magnifique Isabelle Suray de la liste des lauréats.

E comme engagement
La cohérence du festival est d'apporter une vision éclairée et éclairante sur notre contemporanéité. L'engagement a éclaboussé trois propositions, comme un appel à la rébellion des corps.

Avec «Apparemment, ce qui ne se voit pas», Ex Nihilo propose une danse hors les murs. Avec les projections des corps dansants sur des chantiers, aux abords périphériques des villes, Anne Le Batard et Jean-Antoine Bigot convoquent le citoyen. Cette danse ne laisse aucun répit, déborde d’énergie ; elle est un appel à combattre l’immobilisme. Le public groupé est assis au centre de l’espace, et les combattants Corinne Pontana et de Rolando Rocha (magnifique danseur), tournent autour de nous, nous entraînent dans leur sillage. Le mouvement exprime le refus à l’individualisme, interroge la notion de groupe. Sur nos petits cubes en bois, la communauté voyage. Les premières images nous projettent en Asie, pays de lumière, d’où nous entendons des bruits de rue, de klaxons, de paroles. Tout se superpose. Un capharnaüm ambiant stimule l’imaginaire. Les corps dansent, grimpent sur des palissades. Sortir des cases, voir l’horizon. La danse magnifie les chantiers, les hauteurs d’un ballon d'eau. Une certaine rage et urgence transpirent de cette volée joyeuse. Un sacré bordel qui réveille la société devenue amorphe. Et si demain était un autre jour ?

Avec "Harakiri", Didier Théron appelle lui aussi au combat à mener pour la survie du groupe. Fini l’individualisme de notre société. La force vient du collectif. Elle est communicative. La bande sonore renvoie au rude phrasé chorégraphique, métaphore de notre société. Combatifs, les interprètes tracent sur un plateau inadapté à cette proposition, une danse ne laissant aucun répit. Les boucles hypnotiques se succèdent entrecoupés de soli qui terrassent les danseurs à bout de force. Le leitmotiv, la cadence, les saccades et la gestuelle épurée font de «Harakiri» un combat énergisant.

Avec «Same Same», la compagnie Stylistik tient son pari, celui de partager nos visions des deux continents (européen et asiatique) au travers de nos différences au service du multiculturalisme. Bien que fragile, cette proposition agit comme une étincelle. Abdou N’gom et Ounla Pha Oundom se livre à travers leur culture respective à un dialogue par le hip-hop. Si la bande-son illustre à merveille le propos, elle écrase parfois le discours chorégraphique. On retient les deux magnifiques solos et l'ouverture vers une curieuse danse des chapeaux.

H comme humour
Quand l'humour, au service de sujets contemporains (l'environnement, la place de la femme au Japon et ses relations avec les hommes), est manié avec subtilité, la danse gagne en profondeur et permet une vision asiatique des thèmes interplanétaires. La chorégraphe Uiko Wanatabe (avec «Hako Onna - la femme boîte») et le couple Lee Hyun-Bum et Choi Jin-Ju (avec «Pause Philo») réussissent à parler un langage universel. Ils placent leur réflexion dans une société aux traditions ancestrales pour mieux s'en extraire.

P comme poésie
«Waiting» ou la danse contemplative de Carlotta Ikeda, grande prêtresse du butô. Ce petit bout de femme ouvre sa proposition avec les mots de Margueritte Duras. L'inceste, l'amour fraternel, dictés par la voix de Duras, se propagent comme une onde sismique sur le corps de Madame Ikeda. Les mouvements lents et longs laissent apercevoir le champ poétique. Tour à tour femme enfant, femme toute-puissante et femme âgée, les métamorphoses métaphoriques de Carlotta Ikeda m'entraînent dans une course vitale effrénée. Des pierres suspendues dans lesquelles les âmes des défunts prennent forme, à l'image de l'arbre aux jeunes pousses vertes et à la cime morte, en passant par la lumière toute en clair-obscur alternée puis crue, éclairant les corps sous l'éveil sexuel, Carlotta Ikeda résume une vie. Dommage que le final "bossa-nova" entache cette ode aux corps vieillissant à la recherche du plaisir.

T comme trace
Que sont devenues les propositions dont je ne fais pas état ici ? Disparues pour certaines, en cheminement pour d'autres. Elles continuent d'évoluer, de s'épanouir. Pour garder un peu plus secrètement mon ressenti, je retarde les mots. Parmi elles, «T.H.E. Dance Company» qui m’agite encore aujourd'hui.

Laurent Bourbousson - Le Tadorne.

Festival les Hivernales s'est tenu du 25 février au 3 mars 2012, dans divers lieux