Tous les articles du Festival de Marseille 2006.

Ci-dessous, les articles du Festival de Marseille 2006. Pour voir les photos et l'article en taille normale, cliquez sur le titre.

Au Festival de Marseille, « L’homme de février » dépasse la dose prescrite.

C’est avec cette œuvre inclassable que s’ouvre le Festival de Marseille ! J’ai la douce impression de poursuivre le KunstenFestivaldesArts de mai dernier à Bruxelles tant « l’homme de février » de Gildas Milin est profondément transdisciplinaire.
Nous arrivons au Théâtre de la Criée de Marseille et les comédiens (habillés en tenue de plongée) nous accueillent dans une petite salle. Une centaine de personnes prend place à partir d’un dispositif bifrontal. Cette proximité avec les acteurs et le public n’est pas anodine ; elle nous plonge au cœur de la folie, de la déconstruction. Pour entrer dans « l’homme de février » autant oublier nos schémas rationalistes (des acteurs, un texte, un début, une fin) ; seule un telle disposition de la salle peut aider le public à se laisser aller à sa créativité.
Décidément, après « Psychiatrie / Déconniatrie » de Serge Valletti, « VSPRS » d’Alain Platel, « sx.rx.Rx » de Patricia Allio, « Lugares Communes » de Benoît Lachambre, je suis en quelques mois projeté dans l’univers de la déconstruction. Coïncidence ? Mouvement artistique de fond ? Toujours est-il que depuis la crise de l’intermittence en 2003, les frontières entre les disciplines me paraissent bien poreuses. Théâtre, danse, arts plastiques, musique, tout semble s’enchevêtrer pour mieux déconstruire nos schémas linéaires. Dans ce monde complexe, ouvert,  le rationalisme scientifique rend fou, le politique prend le contrôle des comportements pour mieux s’immiscer dans la psyché (l’UMP légifère sur la psychanalyse, Sarkozy veut détecter les actes déviants dès le plus jeune âge). Les artistes alertent et nous positionnent au cœur de cette prise de conscience : les théories comportementalistes nous amènent tout droit vers le fascisme. Vouloir contrôler la psyché pour faire face à la complexité est une pure folie. Gildas Milin le sent et compte bien nous le faire sentir. Mais je suis fatigué ce soir : j’ai travaillé avec une équipe de la petite enfance toute la journée pour les accompagner à se décloisonner, à tendre vers la vision globale, la créativité…
Cristal arrive sur scène (magnifique Julie Pilod) ; elle ne cesse de répéter « je ne suis pas sûre ». Elle court, se jette à terre, se relève. Les mots sont mécaniques, comme un robot. Elle est entourée de huit plongeurs qui, comme dans une salle des machines, donnent des consignes. Cristal, chanteuse de rock de son état, est donc sous contrôle et l’espace scénique semble sous l’œil d’une vidéosurveillance. Cristal est désespérément seule et la prise de médicaments est son alternative pour survivre dans ce monde si complexe. Elle se promène avec sa mallette remplie de potions (des bêta - bloquants) qui vont diffuser dans son corps des milliers de molécules aux missions très précises (être rationnel, avoir des émotions contenues,…). Christelle, son amie, veut l’aider pour sortir de cette souffrance. Elle invente un clone, « l’homme de février », dont le pouvoir est de la rendre heureuse. Ce clone la suit du regard; il s’installe dans le public (comme un simple spectateur) ; se lève parfois pour être à côté d’elle puis reprend sa place parmi nous. S’enchaîne alors différentes scènes où alterne transe, conscience, et inconscience. Nous voyageons dans la psyché de Cristal. Comme des voyeurs, nous rions, observons les moindres faits et gestes. Certains spectateurs n’hésitent pas à se déplacer pour changer d’angle de vue notamment lors du concert où Cristal semble se jeter à corps perdu dans le rock (magnifiques comédiens – rockeurs – musiciens !). Je bouge peu comme intrigué par ce que je vois et entends. Et pourtant, je ne cesse de bouger dans ma tête : est-ce du théâtre ? de la danse ? un concert Rock ? En fait, l’histoire de Cristal prend sens à partir du regard que je porte sur elle. Je peux y voir ce que je veux. Par cette prouesse artistique où nous passons du réel à l’imaginaire, Gildas Milin m’envoie de beaux anti – bêta – bloquants qui donne à l’ensemble un aspect euphorisant, ouvert et me positionne comme spectateur actif. Au bout de deux heures trente d’un spectacle mené tambour battant, je sors quelque peu sonné, mais heureux d’avoir assisté à une œuvre « politique » en ces temps de perte de créativité dans les milieux médiatico – politique.
Arrivé au parking, cinq membres d’une équipe petite enfance que j’accompagne comme consultant dans une collectivité m’interpellent. Elles sortent d’un repas où elles ont travaillé leur réseau. Je n’en reviens pas de cette coïncidence. Face à l’incertitude, au complexe, elles répondent par le collectif, le transversal et le projet. J’ai rencontré les « femmes de juin »…

Le Festival de Marseille fait tomber les murs de La Criée avec « Eraritjaritjaka – Musée des Phares »

« Que va-t-il encore m'arriver ce soir ? ». Telle est ma question alors que j'arpente le hall du Théâtre de la Criée pour le deuxième spectacle du Festival de Marseille. Le titre imprononçable de la pièce, le texte opaque de la bible brouille les pistes. Installé, je tente de me laisser aller. Un quatuor prend place sur scène, lumière blanche, sol noir et Bach en introduction. Un homme arrive en costume trois-pièces (sublime André Wilms) et le décor se transforme. La lumière bouge, le suit et l'éclaire comme s'il cherchait la voie, le chemin. Il joue des fragments de textes d'Elias Canetti (1905 - 1994), prix Nobel de littérature. La mise en scène d'Heiner Goebbels prend alors des allures féeriques : l'homme s'amuse avec des robots comme avec un animal de compagnie. Métaphore d'une société déshumanisée, les textes poétiques de Canetti frappent par leur justesse et leur résonance. Mais je me sens enfermé, comme s'il n'y avait plus d'échappatoire dans cette société en perte de sens. Où vais-je dans ce spectacle ? Je suis rapidement perdu comme si je n'arrivais plus à relier le texte, la musique et le jeu de l'acteur. Fatigue ? Incompréhension ? Un vacarme envahit la salle ; les lumières dessinent sur la scène par petits points une ville futuriste. Je perds définitivement pied.
Une maison en miniature arrive sur scène ; comme suite à un numéro de magie, elle se met à fumer et s'éclaire pour finalement finir en fond d'écran où va se projeter l'impensable ! L'homme quitte la scène, accompagné d'un caméraman. Nous suivons son périple sur la « maison- écran ». Une voiture l'attend devant le Théâtre de la Criée. Installé à l'arrière, il nous parle avec les mots de Canetti. Rêve ? Réalité ? Je ne sais plus où je suis: comment Goebbels peut-il oser cela, nous laisser converser avec ce quatuor dedans alors que le comédien est dehors. Arrivé  de l'autre côté du port, il sort de sa voiture et entre chez lui. Le journal « La Provence » daté d'aujourd'hui est à terre. Nous rions. Il est donc bien dehors. Le cameraman accompagne les mots avec brio. Pour la première fois de ma vie de spectateur, la vidéo est une oeuvre d'art à part entière tant les mouvements de la caméra sont poétiques (moment de pure beauté lorsque le vieil écrivain est filmé à travers les grilles de la planche à repasser !). Nous partageons son intimité alors qu'il se prépare une omelette (on sentirait presque l'odeur dans la salle). C'est bon, je suis avec lui. Comme devant un tour de magie, je suis émerveillé de la prouesse technique et artistique. Et puis, tout se brouille à nouveau comme un poème dont le livre se transformerait au fur et à mesure que vous le lisez : de papier, il devient écran puis partition de musique. Par quel miracle, retrouvons-nous le sur scène avec le quatuor ? Comment peut-il être ici et là ? Le lien avec ce vieil homme attaché à son écriture pour vivre, m'envahit. Je me sens dedans sa maison et dehors pour l'observer. Le metteur en scène Heiner Goebbels signe une pièce majestueuse, car il brouille nos repères et nous positionne comme acteur de ce que nous voyons. Cette posture du dedans - dehors est une réponse au texte pessimiste de Canetti pour qui la société perd le sens. Le fait même que je quitte ce spectacle heureux, curieux, ouvert prouve à quel point la mise en scène de Goebbels donne cet espoir dont nous avons besoin : un monde ouvert où la pluridisciplinarité, en abattant les cloisons de nos maisons, ouvre le plus beau des chantiers : reconstruire ce que l'on n'avait pas prévu.

Le Festival de Marseille dépoussière avec "A-Ronne II"

Il fallait quand même oser ! Programmer «A-Ronne II » au Gymnase,  lieu du conformisme théâtral, a de quoi décoiffer même les perruques les mieux amarrées. Je n’aime pas ce lieu : on y est la plupart du temps mal assis et son public est l’un des plus impolis que je connaisse. Cela explique pourquoi je m’y sens si souvent oppressé. Le public du Festival de Marseille semble différent ce soir pour cette pièce crée en 1996 par Ingrid von Wantoch Rekowski basé sur l’œuvre "d'A-Ronne" du compositeur Luciano Berio. Ils sont cinq sur scène (sommes-nous au moyen âge ?) pour interpréter avec leur corps et leur voix cette œuvre « musicale ». Car l’univers vocal de Berio n’a pas grand-chose à voir avec l’opéra classique. "A-Ronne" c’est l’art du burlesque et de la  communication! On comprend à peine les mots qu’ils prononcent (à part peut-être « phallus » et « sexe », n’est-ce pas l’essentiel ??) mais tout est dit tant les corps et les sons expriment la musicalité des rapports humains et sociaux. Chaque onomatopée, chaque mouvement du corps (alors qu’ils sont assis) sont une note, si bien que je suis en train de lire une partition de solfège !
Or, à mesure qu’ "A-Ronne II" se déroule, je ressens une fatigue à maintenir une telle attention : la performance des acteurs est aussi celle du spectateur. On ne s’étonnera pas que la durée de l’œuvre (50 minutes) soit celle d’un spectacle de danse comme si Ingrid von Wantoch Rekowski avait chorégraphié une comédie humaine où nous serions pris au piège à force de la regarder. Décoiffant.

Au Festival de Marseille, Le Ballet Royal de Flandre : passons?

Ce devait être une soirée entre amis au Festival de Marseille. Ce devait être émouvant, surprenant, dans la continuité des trois précédents spectacles programmés depuis le 8 juin. Mais d’édition en édition, le Festival de Marseille poursuit ses mauvaises habitudes. À vouloir transformer le Parc Henri Fabre en lieu de mondanités pour public d’entreprises, le Festival s’éloigne de sa mission de guidance vers des territoires inconnus. En programmant « Perfect Gems » par le Ballet Royal de Flandre, la soirée frôle la caricature, avec ce questionnement qui ne me quitte pas : « comment ont-ils pu oser ? ».
Ce devait être une jolie succession de trois chorégraphies, ou comment la danse classique s’articule à la danse contemporaine.
Passons sur les mauvaises conditions visuelles : rang W, cela limite la vision quand une grosse tête dépasse.
Passons sur le bruit de l’appareil à photo de mon voisin et ses commentaires avisés.
Passons sur la soif : rien à boire, buvette fermée, avant et après le spectacle.
Passons sur les entractes qui durent vingt minutes entre deux courtes créations: porté par les mouvements complexes des cinq danseurs lors de la chorégraphie de David Dawson (« The Grey Area »), je perds le fil à attendre que les spectateurs se désaltèrent tout en flânant dans les jardins de la Duchesse. Ce long intermède se répète entre le 2e et 3e spectacle. Où suis-je ? Où est le respect d’une partie du public des hauts gradins venu pour voir de la danse ?
Passons sur ces trois moments choisis qui n’ont ni queue ni tête. Quelle cohérence entre l’étonnant « In the Middle, Somewhat Elevated » de William Forsythe et le consternant « In the Night » de Jerôme Robbins ? Comment cette chorégraphie peut-elle être programmée en 2006 au cœur d’un Festival qui prône la transdisciplinarité ? Imaginez trois couples niais qui dansent avec leurs pointes le rapport amoureux où les femmes sont à terre devant leur joli prince charmant ! C'est consternant de bêtise. C’est ce type de chorégraphie qui fait plaisir aux mondains et fait régresser l’ensemble. Les applaudissements des premiers rangs masqueront les fous rires venus des hauts gradins.
Passons sur ce ballet, froid comme la glace, qui ne porte même pas l’énergie créative de William Forsythe. Ils sont pourtant neuf mais rien n’y fait. Leurs corps, façonnés par la danse classique, n'expriment aucune émotion. Ils dansent mécaniquement sous l’œil sûrement expert de leur Direction Artistique.
Passons sur cette soirée inutile qui ne fait rien bouger, où vous avez le sentiment de vous être fait piéger par une affiche alléchante. À voir le public regagner presque en courant leur véhicule, on se prend à rêver d’une autre programmation où les spectateurs échangeraient leurs impressions comme lors d’un débat politique passionné ! Je ne supporte plus que l’on utilise l’Art comme produit d’appel…
Je passe.
Dimanche, je m’arrête à Montpellier Danse.

Au Festival de Marseille, Emanuel Gat voit grand, petit à petit.

Wolfgang Amadeus Mozart et Emanuel Gat ont donné rendez-vous au public du Festival de Marseille pour « K 626 ». Celui-ci, comme tout spectacle, s’inscrit dans un contexte : le match de football France – Espagne en huitième de finale, un public composé au quart de salariés invités par leur entreprise à se cultiver un peu entre deux brainstormings sur l’évolution du marché des chemises bioniques. Si le premier perturbe un magnifique solo par ses hurlements déchaînés, le deuxième n’hésite pas à regarder le match sur son portable et à applaudir mollement pour ne pas déplaire au chef. Parenthèse provisoirement fermée.
Pourtant, « K 626 » fera date dans l’histoire de la danse tant cette chorégraphie ne ressemble à aucune autre. Elles sont dix, venues d’Israël, habillées comme des petits soldats à qui l'on demande trop tôt de faire la guerre. Leurs petits pas, leurs bras, leurs doigts donnent à ce requiem imposant, sa part d’intimité. Avec elles, l’infiniment petit devient grandiose. Loin d’être à l’unisson, elles peuvent jouer leurs différences, mais font référence au groupe, quoiqu’il en coûte. Elles ne sont jamais seules. Il faut les voir faire ces haies d’honneur pour se relier entre elles, pour ne pas se perdre. Le groupe porte des valeurs que nous ne connaissons pas ici : elles peuvent danser l’hésitation ; rien n’est certitude, tout est créativité même dans la précarité. Cette chorégraphie est alors un refuge où l’on se serre pour se protéger, à l’image de cette mouette effrayée par les clameurs de la ville qui vient chercher la sécurité parmi nous… Leur corps évoque toutes ces valeurs : nous sommes à l’opposé de l’esthétique européenne où l’apparence fait parfois illusion. Ici les corps parlent d’Israël : loin d’être seulement modelés par l’effort physique, ils portent en eux la peur et le désir infaillible de danser alors que le terrorisme menace. J’ai la douce sensation qu’Emanuel Gat a chorégraphié leur histoire comme un peintre le ferait avec son modèle préféré. Rare.
Avec elles, ce Requiem inachevé à la mort de Mozart, trouve une continuité. En osant chorégraphier l’incertitude, Emanuel Gat pose un acte politique : réparer ce qui est rompu, poursuivre l’oeuvre de Mozart à partir du corps (qui pourrait l’en empêcher ?), continuer à créer même si le contexte coupe le son. Il y a dans cet engagement une puissance qui m’atteint, qui m’émeut profondément.
Elles sont dix, à l’image des dix doigts d’une main, qu’elles posent sur mon épaule. Emanuel Gat peut revenir avec elles. Ils rencontreront un public, encore trop occupé à rechercher ce qu’il connaît trop. Mais nous sommes quelques-uns à avoir été là, ce 27 juillet 2006, pour véhiculer le message de cette danse d’Israël, une danse d’exception. Mozart n’aurait pas rêvé mieux comme fin.

Le Festival de Marseille propose un son et lumière avec « Metapolis II » de Frédéric Flamand.

L’arrivée de Frédéric Flamand à Marseille à la suite de Marie – Claude Pietragalla était une ouverture intéressante pour que je m’intéresse à ce chorégraphe. À l’automne dernier, j’ai subi « La Cité Radieuse » dans un contexte défavorable pour porter un regard distancié sur la ville de Marseille (grève dans les transports).
La présence de Flamand au Festival de Marseille pour « Métapolis II » est donc une occasion de l’approcher avec de meilleures intentions. Peine perdue. Je n’aime pas cette danse-là. Elle ne m’apporte strictement rien. La forme pourrait évoquer de la danse contemporaine. Mais c’est un trompe l’œil. Le fond est classique, conventionnel : c’est un enchaînement de regards sur la ville qui s’empilent les uns sur les autres, sans lien, sans message global. Où nous emmène-t-il dans cette ville qu’il imagine ? Le sait-il lui-même ? Les rapports humains sont réduits à leur plus simple expression, à l’image des mouvements du corps qui empruntent toujours les mêmes codes. Leur espace est d’autant plus limité que le groupe étouffe toute créativité. Les trois ponts qui circulent sur scène limitent la fonction des danseurs à des machinistes. C’est caricatural et sans réflexion globale.  Les danseurs sont finalement des faire-valoir et leur corps font radicalement écran entre la vision de la ville de demain et nous. Les applaudissements sont polis, car nous sommes entre gens de bonne compagnie. Je ne suis pas rassuré: Marseille pourrait ressembler à ce « Métapolis II », ville clivée par excellence et sans âme. Le Festival de Marseille a de beaux jours devant lui à moins que…

"Erection" de Pierre Rigal au Festival de Marseille.

Cette semaine, j’ai assisté à quatre solos : « Érection » de Pierre Rigal au Festival de Marseille (programmé en Arles lors du festival « duos et solis » en mai dernier), Didier Théron (« Bartleby »), Yann Lheureux (« Fragments intimes ») et Hooman Sharifi (« We failed to hold this relaity in mind »).
Ces quatre solos sont interprétés par le chorégraphe. Ils n’occupent d’ailleurs pas la même place dans les festivals. À Marseille, « Érection » est programmé dans une petite salle du Ballet National loin des festivités mondaines du Parc Henri Fabre (lieu central du Festival). Cette année, Montpellier Danse positionne le solo au cœur de son projet et offre à deux d’entre eux le cadre prestigieux de l’Opéra Comédie.
Le solo exerce un effet grossissant, telle une loupe, sur le sens d’un festival, sur le rapport entre la danse et le public, sur le lien complexe entre le chorégraphe et le danseur. Le solo peut-être considéré parfois comme une pratique autobiographique, à la limite de l’acte thérapeutique, tant pour le danseur que pour le spectateur. Si le collectif peut masquer le vide du propos (suivez mon regard…), le solo ne peut être approximatif. C’est un puissant face à face entre le danseur et nous, entre le réel et le sublime.
Pierre Rigal, avec « Érection », réussit le face à face. À l’issue de trente minutes d’un solo époustouflant, le public ressent cette empathie, ce lien exceptionnel avec l’artiste et son oeuvre. Ils sont indissociables. Pierre Rigal parle tout autant de lui que de nous à partir d’un constat à priori simple : comment l’homme passe-t-il de la position couchée à la position debout ? Ce mouvement du corps ponctue en permanence notre vie. Pïerre Rigal le traduit avec justesse, beauté et empathie. D’un concept, il en fait un lien entre lui et nous, aidé par un fascinant metteur en scène, Aurélien Bory. Ce dernier, à partir d’un dispositif scénique basé sur des jeux de lumière, offre à Pierre Rigal un espace de créativité que Yhann Lheureux n’a pas. Mais surtout, « de l’homme couché à l’homme debout » provoque une résonance positive chez le public. Il nous invite à voir autrement ce processus que nous pensons linéaire. Le dernier tableau est extraordinaire : il se recouche en position fœtale et son image réduite est projetée sur son ventre. Le concept de Pierre Rigal est sublimé. Chapeau.

« After / Before » au Festival de Marseille Company.

Le Festival de Marseille, installé au Parc Henri Fabre, donne l’impression d’un camp retranché dans ce quartier chic. En effet, depuis l’an dernier, la Vieille Charité au coeur du Vieux Panier, n’est plus son lieu névralgique. Ce transfert a certes permis au Festival de se rapprocher symboliquement du Ballet National de Marseille dont le bâtiment jouxte le parc. Pour le reste, ce lieu confirme une tendance lourde depuis onze ans : le festival se coupe de la ville, privilégie la classe bourgeoise et les salariés des entreprises. L’observation du Parc, lors de deux soirées, est riche d’enseignements.En arrivant, quelques âmes perdues piquent — niquent avec les enfants. Ils ne sont pas nombreux, mais leur présence rassure sur l’aspect convivial du Festival (sic).

Juste après, sur la droite, trône l’accueil du Festival. De jolies hôtesses attendent comme lors d’un défilé de mode pour maison de haute couture. À l’heure où les institutions culturelles subissent la baisse des subventions, leur grand nombre contraste.
Sur ma droite, un restaurant installé provisoirement. Point d’étudiant (les prix sont élevés) mais plutôt une classe moyenne aisée. Il leur faut du courage pour supporter la longue file d’attente quand vient l’heure de payer.
Tout près, un jardin éphémère. Comme le fait remarquer un spectateur : « c’est le seul jardin que je connaisse où il n’y a rien à bouffer ». Certes, mais la question n’est peut-être pas là. Pourquoi un jardin aussi laid ?
Après ce jardin, deux hôtesses attendent, assises à une table. Au fond, des salariés d’entreprise dînent ou prennent l’apéritif (je ne vois pas bien). Evidement, je demande si je peux m’y rendre afin de pouvoir acheter une bouteille d’eau. « Vous n’êtes pas invité », me rétorque-t-on avec condescendance. Trop occupés à déguster leurs agapes, ces salariés voient-ils les perturbations chorégraphiques de Bernard Menaut (série d’improvisations où le public est souvent sollicité. Hilarant la plupart du temps !) Rien n’est sûr. Toujours est-il que le contraste est saisissant : Menaut, ses deux musiciens et une danseuse peinent à perturber cet agencement savamment élaboré. Autant leur chorégraphie trouve la poésie et leur dynamique dans les rues de la ville, autant elle tombe à plat dans cet environnement si policé.
Le clivage est tout autant observable le mardi 4 juillet. À 19h, Pierre Rigal pour « Érection » et The Guests Company pour « Popular Music » sont programmés, isolés, à l’écart, dans le Grand Studio du Ballet National de Marseille. J’en sors à 21h15. Je ne trouve ni de quoi boire, ni manger alors que les agapes pour les salariés des riches entreprises se tiennent au fond du Parc. A 22h, Fréderic Flamand propose « Metapolis II ». Il me reste peu de temps. Avec d’autres spectateurs, nous devons marcher jusqu’à la Plage du Prado pour pouvoir nous restaurer un peu. Je ressens ce moment comme une disqualification pour le public. Mais ce n’est rien à côté de la désinvolture affichée par le Festival lorsqu’il vend des places sur les marches à 10 euros, au mépris des règles élémentaires de sécurité.
Je pourrais évoquer ce public…majoritairement blanc alors que la ville de Marseille est de toutes les couleurs. Comment ne pas s’étonner de voir les salariés de ces entreprises suivre le match de foot sur leur téléphone portable pendant la si belle chorégraphie d’Emmanuel Gat. Dois-je évoquer les commentaires entendus lors de cette soirée à la fin du spectacle ? Pour « Métapolis II » le contraste est encore plus saisissant : la classe bourgeoise et politique aux premiers rangs, de prés le public d’entreprise, puis en hauteur et sur les marches le public des habitués et les moins fortunés.
À ma connaissance, Le Festival de Marseille est le seul, qui sépare autant les publics. Il y a comme un paradoxe à se réclamer « manifestation pluridisciplinaire » et faire en sorte que les publics ne se mixtent pas. Il y a comme un malaise à utiliser la culture comme produit d’appel auprès des entreprises alors que la mission de Service Public exigerait une ouverture vers la population de Marseille par des propositions artistiques plus en lien avec cette ville cosmopolite.
Au final, le Festival de Marseille ne peut accompagner dans la durée le public vers des œuvres pluridisciplinaires à l’instar d’Avignon, de Montpellier Danse ou du KunstenFestivaldesArts de Bruxelles. Pour cela, il faut une autre vision de la société. Une autre culture du lien.